Blu-ray, DVD, livres

Suite à la réception d'un Blu-ray 4K Ultra HD défectueux, nous ne pouvons malheureusement pas vous proposer de critique ni de test technique pour le nouveau film de M. Night Shyamalan, Knock at the Cabin...

Si incongrue l’annonce de la mise en chantier d’un remake de Ben-Hur fut-elle, le fait de voir débarquer ce film pour le moins inattendu (au tournant) dans la filmographie de Timur Bekmambetov n’eut en revanche rien d’étonnant pour les cinéphiles suivant la carrière cinématographique de ce réalisateur russe, pour le moins adepte du grand écart stylistique.

La carrière de Toshiro Mifune semble avoir été complètement « vampirisée » par ses multiples collaborations avec Akira Kurosawa. Quand on pense à Mifune aujourd'hui, on pense quasi-automatiquement à ce personnage badass, toujours vénère, qui illuminait de sa présence sauvage, presque animale, des films tels que Les sept samouraïs, Yojimbo, La forteresse cachée ou encore Rashomon. De fait, on tendrait un peu à oublier que Toshiro Mifune a énormément tourné, avec beaucoup d'autres grands noms du cinéma japonais (Kenji Mizoguchi, Mikio Naruse, Kon Ichikawa...) mais aussi du cinéma international (John Boorman, Steven Spielberg, John Frankenheimer...). On en oublierait aussi qu'il a également réalisé un film en 1963 : L’héritage des 500.000.

Nous sommes ici dans cette catégorie pas si fréquente de films n’ayant pas peur de l’outrance et de la grandiloquence, au risque de perdre une partie des spectateurs. C’est le risque que prend le cinéaste à vouloir à tout prix faire le contraire de ce que l’on peut attendre de lui, et cela prend des proportions particulièrement extrêmes dans le cas présent. Il est donc difficile, en sortant de la séance, d’émettre un avis constructif et réfléchi sur une œuvre totale, dans ce que le terme a de plus absolu, à savoir le fruit du travail d’un véritable artiste paniqué à l’idée de tomber dans le consensuel, et n’hésitant pas, pour arriver à ses fins, à malmener son public, quitte à déraper par instants dans le sordide le plus total, à travers une scène en particulier, qui fera grincer pas mal de dents, et devrait au passage faire claquer quelques sièges.

Malgré son échec commercial dans les salles obscures à sa sortie en 2001, le film Zoolander est devenu, petit à petit et grâce à son succès sur support DVD, un film culte dont certaines séquences et lignes de dialogue ont traversé les années jusqu’à devenir très célèbres. Tourné avant le « boom » de Facebook, le film continue d’ailleurs largement à vivre sur les réseaux sociaux, par exemple grâce à la mode des « selfies », qui a largement contribué à étendre et populariser la « duckface » de Derek Zoolander à travers le monde et bien au-delà de la seule sphère cinéphile.

Les histoires de séparation ne sont jamais très marrantes à raconter. Quand deux êtres humains se séparent, c’est rarement de gaieté de cœur et il y a souvent des dommages collatéraux difficilement prévisibles. Même dans les tentatives plus ou moins désespérées d’en tirer matière à rire, il reste toujours un fond d’amertume et de regrets qui déteint forcément sur la bonne humeur affichée avec ostentation.

Un documentaire passionnant, très complet et particulièrement instructif dans le contexte actuel sur des événements dont certains sont bien connus et d'autres beaucoup moins.

Drame intimiste proposant une réflexion à portée philosophico-Historique sur l’oubli « volontaire » et le fait d’assumer ou pas les erreurs du passé (mise à l’échelle d’un pays entier), Amnesia permet à Barbet Schroeder de retrouver la villa d’Ibiza qui était déjà le lieu central de More, son tout premier film en 1969.

Ceux qui ont eu la chance de le découvrir en salles cet été n'en sont toujours pas revenus. De tous les cinémas du monde, il n'y a bien que la Corée du Sud pour nous livrer avec une telle régularité des polars aussi originaux et radicaux, dont la brutalité n'a d'égale que la folie furieuse. Peut-être grâce à [ou à cause de] sa réglementation très stricte sur les armes à feu, le pays du Matin calme nous assène tous les deux-trois ans d'un thriller d'une singularité et d'une classe qui imposent immédiatement le respect.

La vraie surprise de The prince, c'est bel et bien Jason Patric (sans K). Mais si, vous savez bien, cet acteur des années 80/90, qui était apparu dans Génération perdue, avait percé dans Speed 2 et explosé dans le Narc de Joe Carnahan, avant de disparaître des écrans radars avec le changement de millénaire.

Il est bien difficile, voire même absurde, de tenter d’émettre un jugement esthétique sur un documentaire aussi factuel qu’On a 20 ans pour sauver le monde. On pourrait certes avancer que le film d’Hélène Médigue comporte quelques jolis plans de la campagne française, que la musique signée Christian Olivier est absolument remarquable, ou que le rythme du métrage est parfaitement géré afin de ne jamais provoquer l’ennui. Mais l’ambition première de la cinéaste et plus globalement des intervenants du film n’était certainement pas de créer une œuvre artistique forte : il s’agit bien d’avantage de créer la réflexion, de susciter des interrogations et même de convaincre, notamment en proposant des alternatives à un constat assez dramatique concernant la façon dont la terre est tout doucement en train de mourir suite aux abus de pesticides et de produits chimiques divers.

"Queen of Earth" est le 4ème long métrage d'Alex Ross Perry et il a été tourné très vite dans la foulée de "Listen Up Philip", son film précédent. En tournant ce film en 16 mm, pratiquement tout du long dans un seul lieu et sur une durée de 2 semaines, le réalisateur a cherché à retrouver l'atmosphère de certains films des années 60 à 80, qu'ils aient été tournés par Polanski, Fassbinder, Bergman ou Cassavetes.