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Et si on vous disait que l’ancêtre (certes lointain) de films à grand spectacle tels que Everest ou Vertical limit prenait son origine dans un petit film français aujourd’hui largement oublié, vous y croiriez, vous ? Et pourtant, force est de constater que Premier de cordée, réalisé par Louis Daquin en 1944, fait partie de ces films entièrement construits autour d’un seul élément : la montagne, majestueuse, sublime… Mais surtout très dangereuse ! On le sait bien, car on nous l’a répété durant des années à grands renforts de publicité : la montagne, ça vous gagne. Mais la montagne, c’est aussi des dizaines de morts par an, alors c’est bien joli les neiges éternelles, mais faudrait voir à s’en méfier…

Batwoman a connu des débuts pour le moins difficiles, en subissant plusieurs coups du sort ayant compliqué le tournage : la pandémie de Covid-19 avait écourté l’emploi du temps des équipes et réduit le nombre d’épisodes, etc.

Dilili à Paris est le nouveau de Michel Ocelot, découvert par le grand public en 1998 avec Kirikou et la sorcière, qui l’imposa d’entrée de jeu comme l’un des plus grands noms de l’animation en France.

Sorti début décembre sur un tout petit circuit de 81 salles en France, Tueurs ne totaliserait quant à lui qu'un peu plus de 43.000 entrées. Une injustice manifeste pour ce film franco-belge malheureusement destiné à retomber dans l'oubli malgré d'immenses qualités... Réalisé par les inconnus Jean-François Hensgens et François Troukens, le film évoque une série de faits divers ayant secoué la Belgique des années 80, et connus sous l'appellation des « tueries du Brabant » : une série de braquages ayant tourné aux massacres en série et occasionné des dizaines de morts. Si ces crimes ne sont toujours pas élucidés plus de trente ans après les faits, de nombreuses théories circulent depuis de nombreuses années sur l'identité des trois mystérieux tueurs impliqués dans ces drames, et Tueurs en proposera une au spectateur, de façon on ne peut plus agressive.

Après un petit moment d'égarement en début d'année, l'éditeur Artus Films semble avoir retrouvé la foi en son public et en un cinéma bien déviant, puisqu'il vient de décider d'ajouter le 5 avril deux nouveaux titres indispensables à sa collection « Western Européen » : Belle Starr Story et Matalo !. Deux westerns très différents l’un de l’autre, représentant deux visions bien distinctes de ce pan si attachant du cinéma d’exploitation…

Découvert en 2008 avec le très amusant Sex drive, teen movie hors normes bien au-dessus de la moyenne du genre, Sean Anders a passé les premières années de sa carrière Hollywoodienne à enchaîner les comédies orientées « trash », soit en tant que scénariste, soit en tant que réalisateur. S’il se consacre toujours aujourd’hui à la comédie, le ton de ses films semble avoir pris un tournant important en 2015, avec la comédie Very bad dads, qui mettait la notion de « famille » au centre de toutes ses préoccupations.

Fable écologique pleine de bons sentiments et d'un joli discours sur la famille typique des productions issues de la firme à Mickey, le film permet à David Lowery de clamer à nouveau son amour des grands espaces sauvages, mais également des légendes populaires se transmettant sous la forme de chansons folk, dédiées aux racines et à la grandeur d'âme du peuple américain. Beaucoup plus direct et percutant que le film d'origine, ce Peter et Elliott le dragon ne risque pas d'ennuyer la nouvelle génération, qui se régalera des prestations d'Oakes Fegley, Bryce Dallas Howard et de la petite Oona Laurence, déjà vue dans La rage au ventre et dans Bad moms... Mais surtout du nouveau design du dragon Elliott, qui ressemble d'avantage à un chien qu'à un « dragon » dans la conception que s'en fait en général le public occidental.

Si une telle approche du cinéma fantastique tendrait évidemment à faire sourire le spectateur contemporain, dans les années 40, il n’était pas rare qu’un film mette en scène l'enfer, le paradis, Dieu et des anges en tous genres. On pense par exemple a des films célèbres tels que Le défunt récalcitrant (Alexander Hall, 1941), Le ciel peut attendre (Ernst Lubitsch, 1943), Une question de vie ou de mort (Michael Powell et Emeric Pressburger, 1946) ou encore L'évadé de l'enfer (Archie Mayo, 1946) qui nous intéresse aujourd'hui.

Pour les amateurs d'horreur qui voudraient découvrir la façon dont le style de Lucio Fulci s'est développé au début des années 80, Le Chat noir ne constitue peut-être pas la meilleure porte d’entrée.

Avant d'aborder le film en lui-même, il convient d'évacuer d'entrée de jeu les éventuelles craintes que vous aurez pu ressentir à la lecture du synopsis : Le silence est d'or met en scène un triangle amoureux qui, chez un autre cinéaste que René Clair, aurait pu donner naissance au mélo le plus sirupeux qui soit. Rassurez-vous : craindre les excès dans le pathos ou la guimauve reviendrait à oublier la fantaisie naturelle du cinéaste français, qui nous propose ici une brillante relecture de « L'école des femmes » de Molière, transposée à l'époque des débuts du cinéma.

Arnaud Desplechin est de retour sur grand écran avec Frère et sœur, une histoire de haine familiale incarnée par le duo Melvil Poupaud et Marion Cotillard.

Depuis la publication des Liaisons dangereuses au XVIIIème Siècle, le roman épistolaire de Choderlos de Laclos n’a cessé de déchainer les imaginations. A cause du côté sulfureux de ce qu’il raconte sans doute, il aura fallu attendre 1959 pour en découvrir la première adaptation cinématographique, signée Roger Vadim. Depuis en revanche, ce sont presque une dizaine de films qui se sont bousculé afin de retrouver l’essence du roman ; à la fin des années 80, on a même vu débarquer coup sur coup deux adaptations : Les liaisons dangereuses (Stephen Frears, 1988) et Valmont (Milos Forman, 1989).