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Rohena Gera montre l'évolution de la relation sentimentale entre un "maître" et sa "servante" avec beaucoup de tact et de savoir faire cinématographique.

Cinéaste indépendant incontournable dans les années 90, au même titre qu’un Hal Hartley par exemple, Atom Egoyan avait eu quelques difficultés à aborder le tournant du nouveau millénaire, et peinait un peu dernièrement à trouver des projets capables d'autant marquer le spectateur -émotionnellement parlant- que ses films antérieurs à 2000. Mais ce désamour progressif -et un peu injuste- de la part du public cessera peut-être dans un proche avenir, puisqu'avec Captives, le cinéaste canadien nous offre un nouveau thriller tout à fait passionnant.

Avec Invasion, on n’est certes pas parti aussi loin dans le délire grandiloquent de la suprématie de l’amour, sur fond d’effets spéciaux improbables, que dans Real du même réalisateur.

Le « revenge movie », également appelé film de vengeance, est un sous-genre cinématographique qui, à l’image de son cousin germain le « vigilante » (ou film d’auto-défense), met le doigt sur certaines questions sensibles, et prônant la plupart du temps le règlement immédiat de certains problèmes sociétaux par les citoyens eux-mêmes, usant de méthodes pour le moins directes à l’écart de la police et de la justice. Difficulté de faire le deuil d’un proche, inertie ou incapacité d’agir de la part des autorités, peine de mort et loi du talion, sentiment d’injustice, préméditation sans pitié… Ces thèmes délicats à aborder sont au centre d’un genre souvent considéré comme réactionnaire, voire même d’extrême-droite. Mais les différents changements de la société et la métamorphose de l’environnement urbain à travers le monde entier nous ont offert des exemples de « revenge movies » en provenance de très nombreux pays depuis les années 70.

Après La fille du 14 juillet, Antonin Peretjatko enclenche la surmultipliée avec La Loi de la jungle, un film jouissif, complètement déjanté, un film qui fonce à bride abattue mais que son réalisateur arrive à maîtriser du début jusqu’à la fin. Certes, il est certain que ce film laissera quelques spectateurs sur le bord de la route...

Le couple Bacri-Jaoui (ex à la ville mais toujours réunis à l’écran) signe une nouvelle satire sur l’opposition entre les apparences et la réalité des comportements. Les idéaux d’hier sont remplacés par le pragmatisme d’aujourd’hui sous le regard intrusif des réseaux sociaux. Le propos est plus nuancé qu’une simple opposition entre deux générations et personne n’a complètement tort ni tout à fait raison. Jean-Pierre Bacri joue avec un sourire narquois une célébrité angoissée par son échec

Avec "Careless crime", Shahram Mokri montre une fois de plus que, tout réalisateur iranien qu'il est, il est beaucoup plus proche d'un David Lynch que de Asghar Farhadi.

Renoncer à l’intime / Renoncer à soi-même : c’est un des thèmes principaux de Silence, le dernier film réalisé par Martin Scorsese. Quelle est la vérité sur nous-mêmes ? Quelle est notre réalité ? Quand le miroir se casse en mille morceaux, chacun peut en prendre un bout pour s’y voir reflété et croire qu’il détient LA vérité absolue alors qu’en fait, on ne tient plus qu’au creux de la main un morceau d’un miroir disparu. Dans un de ses contes, Borges se mettait dans les chaussures d’un nazi qui allait mourir : « Je regarde mon visage dans le miroir pour savoir qui je suis, pour savoir comment je me porterai dans quelques heures, quand je ferai face à la fin. Ma chair peut-être effrayée, pas moi

A une époque où les séries se prolongent, s'étirent et, parfois, s'éternisent d'année en année, augmentant parfois sensiblement leur nombre d'épisodes d'une saison à l'autre sans pour autant avoir plus de choses à raconter au spectateur, le fait de voir débarquer une mini-série composée de seulement trois épisodes est déjà une bouffée d'air frais : peu de chance avec Kim Kong d'attraper mal au crâne rien qu'en pensant aux douze heures que nécessiteront le visionnage du show.

,Force est de reconnaître que ce côté en apparence désorganisé du film lui apporte un supplément d'âme et, surtout, lui permet d'apparaître comme une œuvre homogène malgré le côté a priori disparate des éléments qui le construisent.

Depuis très longtemps, le cinéma d’animation n’est plus la chasse gardée du jeune public. Rares sont pourtant les films qui réussissent haut la main à traiter de sujets plus exigeants, tout en restant accessibles. Présenté au Festival d’Albi, Louise en hiver compte parmi ces coups de maître, à l’aspect visuel presque minimaliste, quoique d’une beauté renversante, et simultanément riches d’un thème traité sur le ton de la sublimation, avec une inestimable mélancolie en arrière-plan !

Le film de Lukas Dhont reste en permanence aux côtés de son personnage principal, une future ballerine qui éprouve de plus en plus de mal à concilier ses exigences artistiques et le prix à payer pour se débarrasser de ses attributs masculins.