Blu-ray

Effets spéciaux époustouflants, mouvements de caméra sophistiqués, production design éblouissant, acteurs de renom, Dumbo déploie véritablement des moyens pharaoniques pour émerveiller le public et en mettre plein les yeux des spectateurs.

Souvent considéré comme l'un des meilleurs films d'horreur de la décennie 80, le Simetierre de Mary Lambert (1989) est en effet un sacré beau morceau de péloche, au point que l'on puisse sérieusement s'interroger sur la nécessité d'en réaliser un remake trente ans après. Attention cela dit, si vous qualifiez ce Simetierre cuvée 2019 de « remake » devant les auteurs et producteurs du film, vous risquez de vous faire engueuler : lors de la promo du film, on évoquait d'avantage une « nouvelle adaptation », censée coller « d'avantage au livre de Stephen King ». Cela peut paraître vaguement absurde de mettre en avant un tel argument promotionnel, dans le sens où le scénario du film de 1989 était signé de la plume de Stephen King lui-même, mais ils ont osé. Vous ne rêvez pas : Simetierre 2019 est donc encore plus fidèle à l'esprit de Stephen King que l'auteur lui-même.

Même s'il peut sans le moindre problème être découvert de façon indépendante, Le Continent oublié (1977) est en réalité la suite du Sixième continent (1974) ; le film met donc en scène une opération de sauvetage menée par Ben McBride (Patrick Wayne) destinée à secourir Bowen Tyler, le personnage central du film précédent.

Affirmer que nous placions nos espoirs les plus fous dans la découverte de Shazam ! serait mentir. Cela dit, on espérait secrètement que Shazam ! soit aussi fun et sympathique qu'Aquaman, qui mettait en scène Jason Momoa en roi de la mer.

Avec un peu moins de 81.000 entrées enregistrées sur un parc de 250 copies, Alex, le destin d’un roi est vraiment passé inaperçu en France. Le problème pour la Fox, c’est malheureusement que le film a également fait un four retentissant aux Etats-Unis, où il n‘a récolté que 17 millions de dollars de recettes… sur un budget avoisinant les 60 millions. La tuile pour Joe Cornish, qui portait ce sujet et ce scénario dans son cœur depuis son adolescence, et qui avait mis plusieurs années pour parvenir à le porter à l’écran…

En l’espace d’une dizaine d’années environ, le petit monde des séries TV s’est vu profondément métamorphosé. Si avant 2010, des séries telles que Heroes ou Lost avaient déchainé les passions du public à travers le monde, ces dernières restaient avant tout des séries « familiales », destinées au plus grand nombre et donc encore relativement consensuelles dans leur ton, leur sujet ou leur public cible. L’engouement généralisé des téléspectateurs autour de ces séries ambitieuses a néanmoins créé un véritable « déclic » du côté des producteurs et des chaines de télé, qui mènerait à peine quelques années plus tard à la création des « grandes » séries TV contemporaines, les Game of thrones, Walking dead et autres Breaking bad que tout le monde a vu et adoré, et qui sont en seulement quelques saisons devenus des classiques incontournables de la culture populaire, et qui ont contribué à prouver que le fait de s’adresser à un public adulte n’était pas forcément incompatible avec celui de générer des profits importants. Inévitablement, on a peu à peu commencé à voir émerger des séries orientées vers le fantastique et l’horreur, plus ambitieuses d’un point de vue narratif, mais bénéficiant également de budgets et d’effets spéciaux nettement plus impressionnants. Et puisqu’il convient d’aller de plus en plus loin, et d’oser de plus en plus de choses, Syfy s’est engouffré dans le giron de HBO en injectant des fonds dans Z Nation, une série horrifique absolument folle et décalée s’amusant de ses propres outrances, et qui présentait la particularité de repousser les limites de la connivence entre showrunners et spectateurs.

Adapté de l’histoire vraie de Frank Vallelonga et du pianiste Don Shirley, dont l’amitié inattendue est née lors d’une tournée en 1962, Green Book : Sur les routes du Sud a remporté une véritable pluie de récompenses début 2019 : trois Oscars dont ceux du meilleur film et du meilleur scénario, trois Golden Globes, un BAFA, un pris à Toronto… Il faut dire aussi que le film de Peter Farrelly – que l’on était loin d’attendre aux commandes d’un film de ce genre – était, de par sa thématique et par les bons sentiments de tolérance et d’ouverture aux autres qu’il développe, le parfait aimant à récompenses. A succès également, puisqu’en plus du prestige des prix, le film a attiré plus de deux millions de spectateurs dans les salles françaises, et récolté 320 millions de dollars de recettes à travers le monde.

Évoquant le sujet sensible de la reconstruction d’une femme et de sa famille après un accident ayant laissé le père aveugle et sans inhibition sur ses paroles, Chamboultout s’affiche d’entrée de jeu comme un film profondément tourné vers « l’humain », destiné à prodiguer une espèce de leçon de vie au spectateur, à la façon de ses films de réunions d’amis qui tournent mal et qui en disent souvent long sur la nature humaine (Les copains d’abord, Peter’s friends, Les petits mouchoirs…).

Puissant, immersif, drôle, émouvant, slalomant entre les ruptures de ton tout en gardant une homogénéité remarquable et affichant une photo sublime, Traîné sur le bitume ressemble bien à ce qui se fait de mieux en matière de cinéma de nos jours.

Si on le connaît aujourd’hui essentiellement pour ses « grands » films des années 70/80 (et notamment pour Out of Africa qui a remporté sept Oscars), Sydney Pollack s’était également essayé au documentaire au lendemain d’On achève bien les chevaux. Il a en effet tourné, en 1972 et avec l’aide d’un dispositif de cinq caméras 16 mm et plusieurs micros, une vingtaine d’heures de rushes durant l’enregistrement du double album d’Aretha Franklin intitulé « Amazing grace », dans lequel la diva interprétait des chants gospel traditionnels, album qui deviendrait d’ailleurs quelques mois plus tard un énorme succès – il est encore à ce jour un des albums gospel les plus vendus de l'histoire de la musique.

Énorme succès du box-office chinois (le troisième plus gros succès de tous les temps en termes de recettes), Operation Red Sea permettait au touche à tout Dante Lam de signer une ode visuelle et tonitruante à la marine chinoise.

Captive State est un film déroutant. Au contraire de nombreux films Hollywoodiens évoluant dans le genre de la science-fiction (et du film « d'invasion »), le scénario de Erica Beeney et Rupert Wyatt s'avère suffisamment ambitieux pour développer des personnages complexes, aux motivations troubles – sinon floues – et dont on ne parvient pas réellement à déterminer de quel « côté », dans quel camp ils se situent. Le personnage de John Goodman est à ce titre – et encore plus que celui du héros incarné par Ashton Sanders – particulièrement tordu dans sa façon de raisonner et d'envisager ses relations aux autres, au point que l'on pourrait même se mettre à penser un temps que sa psychologie est « complexifiée » jusqu'à l'absurde. Un temps seulement, car les choses prendront tout leur sens au second visionnage, qui éclairera d'une façon assez lumineuse le cheminement machiavélique de sa pensée, déconstruisant son existence à la façon d'un joueur d'échecs ayant toujours un ou deux coups d'avance sur ses adversaires.