Blu-ray

Roi du fun et d’un certain cinéma « à la cool » post- Tarantino absolument typique des années 2000, Guy Ritchie est un cinéaste capable du meilleur comme du pire. Rassurez-vous cela dit : avec le diptyque Sherlock Holmes, qui vient tout juste de sortir au format Blu-ray 4K Ultra-HD chez Warner bros, on navigue en plein dans la fourchette haute de son œuvre. On serait même peut-être bien du côté de ses deux meilleurs films…

Les charnelles est le quatrième long-métrage de Claude Mulot, et, avec le recul, renvoie l’image d’un film maudit, marquant un véritable tournant dans la carrière du jeune cinéaste français. Le film semble en effet né d’une frustration et d’un constat d’échec.

Si le titre original du dernier film d’André Øvredal n’évoquera probablement pas grand-chose aux cinéphiles français, il n’en est pas de même dans les pays anglophones : la série de livres jeunesse « Scary stories to tell in the dark », prenant la forme de trois recueils écrits par Alvin Schwartz entre 1981 et 1991, y est en effet l’objet d’un culte aussi ardent que vivace. Avec sept millions de livres vendus en l’espace de 40 ans, on pourrait même dire que l’œuvre de Schwartz occupe aux États-Unis une place presque aussi importante que le cultissime Max et les maximonstres de Maurice Sendak (« Where the wild things are »), qui s’y est certes écoulé à plus de dix millions d’exemplaires, mais sur une période de 55 ans. Il n’y a d’ailleurs point à douter que la sortie du film, raccourci en Scary stories chez nous, devrait booster les ventes des livres d’Alvin Schwartz durant quelques mois.

Dans les années 80 aux États-Unis, après l'élection de Ronald Reagan, les républicains se sentent pousser des ailes : comme pour appuyer la politique ultra-sécuritaire prônée par le gouvernement, la mode est alors aux films mettant en scène des vigilantes moustachus

Gros échec commercial à travers le monde, Kin n’a même pas rapporté dix millions de dollars avec son exploitation dans les salles obscures, pour un budget de 30 millions de dollars, auxquels on peut ajouter 30 autres millions qu’a déboursé Lionsgate pour acquérir les droits du film.

La revanche des mortes vivantes est sans conteste l'un des films de genre français les plus célèbres des années 80, avec une poignée d'autres dont la popularité a également explosé en VHS dans la deuxième moitié de la décennie : on pense à des films tels que Les raisins de la mort (Jean Rollin, 1978) et Le lac des morts vivants (Jean Rollin, 1981). Comme dans le cas des deux films de Rollin, on est d'ailleurs en présence d'un film film d'horreur « champêtre », se déroulant dans l'atmosphère bucolique de la campagne française. Un autre élément déterminant peut également relier le cinéma de Jean Rollin à celui de Pierre B. Reinhard : il s'agit bien sûr de la méfiance vis à vis des produits chimiques, et en particulier des pesticides agricoles. En effet, comme dans Les raisins de la mort ou La morte vivante (1982), l'intrigue de La revanche des mortes vivantes met également en scène des zombies créés par la négligence de l'homme, et ramenés à la vie par le biais de déchets toxiques déversés dans la nature. Cette thématique était certes dans l'air du temps dans le cinéma d'horreur de l'époque, en France ou aux États-Unis (avec le fameux Toxic Avenger), mais celle-ci raisonne tout particulièrement trente ans plus tard, alors que les alternatives aux pesticides sont au cœur de tous les débats dans le monde agricole.

Depuis une dizaine d'années au bas mot, la carrière de Jean Reno est en chute libre. Enchaînant sans discontinuer les bides au box-office et les productions low cost, l'ancien chouchou des français ne semble plus être que l'ombre de lui-même, le lointain vestige d'une époque où les noms de Luc Besson et de Jean-Marie Poiré se traduisaient par de gros succès populaires dans les salles françaises. Au fur et à mesure, le nom de Jean Reno semble être devenu une « sous-marque » ; d'ailleurs, si cette tendance s'accentue encore, on va bientôt devoir l'appeler Jean Dacia.

Une des particularités de Maigret et l'affaire Saint-Fiacre est de construire son intrigue policière autour d'un crime sans « arme du crime » : le mode opératoire du tueur se base en effet sur la diffusion d'une fausse nouvelle publiée par un journal régional, qui provoquera un arrêt du cœur chez la victime

La croisière du Navigator est un des gros morceaux de la carrière de Buster Keaton. 1h05 de génie créatif et d’inventivité, et le parfait résumé des ambitions et de la tonalité de son œuvre. 1h05 de gags parfaits également...

Réalisé par Simon Wincer sur un scénario du très prolifique Everett De Roche (Patrick, Long weekend, Déviation mortelle, Razorback...), Harlequin s'impose dès ses premières minutes comme un film mystérieux et bizarre, ne ressemblant pour ainsi dire à aucun autre. Presque entièrement centré sur le personnage de Gregory Wolfe, incarné par Robert Powell et pensé comme une relecture contemporaine de Raspoutine, le récit met donc en avant un personnage mystique et pour tout dire assez hypnotique, utilisant la magie et l'illusion pour fasciner et, peut-être, tromper son monde. On insistera d'ailleurs sur le « peut-être », car Simon Wincer s'amuse visiblement beaucoup à « perdre » le spectateur au cœur de son film, qui baigne dans une ambiance ouvertement fantastique et fera rapidement perdre au public tous ses repères rationnels, même si le scénario prend également grand soin de garder un pied solidement ancré dans le réel et le monde impitoyable de la politique.

La filmographie de Dominique Goult se limite à cinq longs-métrages, réalisés entre 1977 et 1980. Avec ses quatre premiers films, tournés courant 1977/1978, le cinéaste s’est tout d’abord illustré dans l’Art délicat du cinéma pour adultes, avec des films aux titres remplis de poésie : Les queutardes, Les monteuses, Partouzes perverses et Lèvres gloutonnes. Son cinquième film, sobrement intitulé Haine, est donc également l’unique film « traditionnel » de la carrière de Dominique Goult. Et bien sûr, comme le métier n’aime pas les auteurs un peu trop polissons, le film de Dominique Goult a presque naturellement écopé lors de sa sortie en salles d’une interdiction aux moins de 18 ans, d’ailleurs totalement injustifiée : si ce n’est qu’il développe une ambiance particulièrement lourde, étouffante, le film ne présente aucune scène de nudité, et s’avère finalement d’une violence assez modérée.

The boat est une très agréable découverte. On n’ira pas jusqu’à clamer sur tous les toits qu’il s’agit du film de l’année, mais en revanche, il s’agit bel et bien d’un film qui parvient sans le moindre problème à s’affranchir de ses contraintes de départ, et à s’imposer comme une étonnante réussite. Car quoiqu’on puisse penser du charisme ou des réactions du personnage principal, il faut reconnaître que le fait de tenir un huis-clos sur un seul acteur coincé sur un voilier nécessitait un véritable talent de metteur en scène, ne serait-ce que pour gérer le rythme et les rebondissements, tout en restant globalement crédible et en se passant de dialogues explicatifs (le silence ou les bruits environnants sont en effet suffisamment parlants par eux-mêmes).