Blu-ray, DVD, livres

A la sortie de Where to invade next en 2015 (qui a débarqué en France en septembre 2016, où il a réuni environ 30.000 adeptes), cela faisait bien longtemps que Michael Moore n’avait pas signé de documentaire : son effort précédent, Capitalism : A love story avait en effet atteint les salles obscures en 2009, et l’on serait presque venu à penser que le trublion socio-politique américain avait rendu les armes, victime d’un système pour qui il représentait la bête noire, l’homme à abattre.

Au fil des années et des films, le récit post-apocalyptique à tendance écologique est devenu une spécialité japonaise, comme s’il s’agissait là d’une façon détournée d’exorciser les fantômes d’Hiroshima et Nagasaki. Dans Origine, Keiichi Sugiyama et les créatifs de chez Gonzo imaginent donc que la Nature s’est rebellée contre l’espèce humaine, et a détruit toute trace de civilisation. Les ruines de ce monde sont désormais partagées entre deux camps : d’un côté les humains, industriels et bellicistes, et de l’autre la forêt, qui se défend comme elle le peut devant les agressions du camp adverse. Pile entre les deux, on trouve la « Cité Neutre », construite et gérée par des humains, qui tente d’arrondir les angles entre ces deux tendances à la destruction. Mais le réveil de Toola, jeune femme cryogénisée et originaire du « passé », risque de faire balancer la tendance, d’un côté ou de l’autre…

Il y a 3 ans, la sélection ACID du Festival de Cannes avait permis de faire connaissance avec la réalisatrice Justine Triet au travers de La Bataille de Solférino, son premier long métrage. Un film plein d’énergie et de fraîcheur, à la fois délirant et très maîtrisé, un film amalgamant intelligemment petite histoire et grande histoire. Cette année, son deuxième long métrage, Victoria, était de nouveau à Cannes mais, cette fois, dans la sélection de la Semaine de la Critique, en tant que film d’ouverture. Le deuxième film, un cap important pour un ou une jeune cinéaste : confirmation ou déception ?

Rythme bimestriel oblige, ce mois-ci pas de Premiere, 7eme Obsession ni de Studio Cine-Live. Cependant, les revues mensuelles qui avaient fait leur pause de janvier reviennent. SoFilm n°47 On peut...

Jodorowsky's Dune retrace le récit d’une ambition folle : plus que « simplement » adapter le monument littéraire de Frank Herbert, Alejandro Jodorowsky désirait, au milieu des années 70, signer ce qu’il désignait lui-même comme un « Film-Messie », destiné à élargir la perception du monde qu’avait la jeunesse de l’époque. Plus de quarante ans après les déboires de production qui lui vaudraient un coïtus interruptus après deux ans et demi de préparation fiévreuse (qui incluaient la préparation physique intensive de son propre fils afin d’incarner le rôle de Paul Atréides), le cinéaste revient dans le détail et avec un enthousiasme désespéré sur le mauvais karma qui entourait le film, souvent désigné avec ironie comme « le plus grand film de science-fiction n’ayant jamais vu le jour ».

Tourné par Coppola dans la foulée de Outsiders, et toujours d’après un roman de S.E. Hinton, Rusty James en reprend une grande partie du casting et le côté « bande de jeunes » pour en constituer une espèce de pendant esthétisant et froid. Comme s’il s’agissait de la deuxième face d’une même pièce, Rusty James « retourne » Outsiders en le transformant en objet Brechtien, réflexif, profondément conscient de sa nature cinématographique et affichant fièrement une batterie d’artifices visuels clinquants, des cadres léchés, un noir et blanc über-travaillé, comme si le réalisateur cherchait, pour illustrer sa fable sur le temps qui passe teintée de mythologie, à créer un univers unique, suspendu, entre rêve et réalité, entre vie et mort.

Avec Instinct de survie, Jaume Collet-Serra semble avoir créé une quasi-unanimité critique autour de son film de gros requin mangeur d’homme.

Malgré plus de cinquante films au compteur, dont de nombreux énormes cartons de vidéoclubs mettant en scène Christophe Lambert, Steven Seagal, Rutger Hauer ou encore Ice-T, le cinéaste américain Albert Pyun (surtout connu chez nous pour avoir réalisé Cyborg avec Jean-Claude VanDamme) n'avait jusqu'ici jamais connu les honneurs d'une quelconque sortie Blu-ray sur le territoire français.

En ne récoltant que 20 millions de dollars de recettes sur un confortable budget de 65 millions, Free State of Jones s’est ramassé un tel gadin que même un gros succès en dehors des Etats-Unis ne parviendra probablement jamais à amortir les frais engagés par Dreamworks dans cette énorme co-production internationale. La guerre de sécession et les thèmes liés à l’abolition de l’esclavage et à l’égalité blancs / noirs ne passionneraient-ils plus les américains ? Pour être tout à fait honnête, à l’exception notable de Chevauchée avec le diable (2003), les films contemporains s’attaquant de front à la guerre de sécession, sans l’aborder par le biais d’un autre genre (romance, western, fantastique), ont, depuis Glory (1989), tous rapporté entre 10 et 25 millions de dollars – Il eut donc été étonnant que le film de Gary Ross réussisse l’exploit de renverser la vapeur…

Quand on découvre Une vie entre deux océans, il est pour le moins impossible de louper la référence au dieu romain Janus, tant celle-ci est explicite et répétée à de nombreuses reprises au spectateur sous différentes formes ; pour celles et ceux qui auraient séché les cours de mythologie, Janus est le dieu des commencements et des fins, des choix, du passage et des portes, et est traditionnellement représenté par deux visages opposés, l'un tourné vers le passé, l'autre vers le futur. Au centre du nouveau film de Derek Cianfrance, il y a donc l'île de Janus, placée pile entre l’océan Austral et l'océan Indien, qui s’impose au spectateur comme un personnage à part entière de ce récit, et qui s’exprime à travers la Nature comme une expression de la parole Divine – en cela, et par les choix de mise en scène que fait Cianfrance tout au long de son film, Une vie entre deux océans évoque très fortement le cinéma de Terrence Malick, à l’époque où celui-ci ne tournait pas à vide et avait encore quelque-chose à raconter (on pense souvent aux Moissons du ciel).

En attendant Nicktoons, projet de film autour des séries d’animation Nickelodeon, qui marquera leur retour à l’écriture, Don Verdean est le dernier film à avoir été écrit par Jared Hess en « couple » avec son épouse Jerusha. En effet, on suppose que l’échec de la série Napoleon Dynamite a dû forcer le cinéaste à envisager de tourner des comédies écrites par d’autres : outre Les cerveaux, il est aussi actuellement attaché à la réalisation de Shanghaï Kid III, suite tardive des aventures de Jackie Chan et Owen Wilson au Far West.

Si New York tient une place importante au cœur du film, Aventure d’un soir prend cependant le parti du quasi-huis clos confrontant deux fortes personnalités qui finiront –naturellement– par tomber sous le charme l’une de l’autre. Comme dans beaucoup de comédies romantiques actuelles, les personnages couchent ensemble avant même de connaitre leurs prénoms, s’engueulent (un peu) et parlent de cul (beaucoup). Dans la peau de ces amants contraints à la cohabitation par de fortes chutes de neige, on découvrira Analeigh Tipton (vue dans la série Manhattan love story) et Miles Teller (Projet X, Whiplash), qui promène son habituelle tête de chien battu qui fait craquer les