Blu-ray, DVD, livres

Au début des années 90, les regards cinéphiles des amateurs de cinéma de genre se sont largement tournés vers l’Asie, en partie peut-être par l’entremise de Quentin Tarantino qui égrenait volontiers ses influences à qui voulait l’écouter. Cet intérêt subit pour les pays d’Asie a mené à la découverte tardive des cinémas de John Woo et Tsui Hark pour Hong Kong, mais aussi à celle de cinéastes tels que Shinya Tsukamoto et « Beat » Takeshi Kitano pour le Japon.

Carrie, Créatures célestes, Ginger snaps, Mysterious skin, Mean creek, Donnie Darko... C’est un fait : le cinéma fantastique et les récits de « coming of age » font souvent bon ménage. Le fameux passage à l’âge adulte, la découverte de la sexualité et la notion d’acceptation de soi demeurent, pour tout un chacun, forcément toujours un peu nimbés de mystères en tous genres, et le fait de les illustrer au cinéma en ayant recours à des symboles allant chercher du côté du surnaturel est une idée non seulement habile, mais également pleine de poésie.

La carrière de Jason Momoa (à ne pas confondre avec Jason Maoam, qui est juste un mec marrant parce qu’il a un nom de paquet de bonbons) se divise en plusieurs parties, que l’on distinguera aisément les unes des autres. De ses débuts 1999 et jusqu’en 2009, il se démarque par une image de pur beau gosse un peu bad boy et bodybuildé à l’aide de rôles récurrents dans des séries très populaires, faisant partie de celles que nul n’assume réellement d’avoir pu regarder / aimer un jour : Alerte à Malibu, North Shore : Hôtel du Pacifique, Stargate Atlantis…

En plantant sa caméra dans la calanque de Méjean, Robert Guédiguian réunit sa troupe fidèle pour un très beau film sur le passage du temps et les regrets, avec heureusement une bonne dose d’espoir…

Avec Carbone, film noir aux accents de tragédie familiale, le grand spécialiste du polar en France Olivier Marchal s’approprie un faits divers qui s’est déroulé en 2007 : une fraude gigantesque à la TVA...

Avec son intrigue construite sur l’opposition entre une nature aussi flamboyante que cruelle et les grands sentiments humains (courage, détermination, amour), La montagne entre nous avait à priori tout du parfait candidat pour remporter une large série de récompenses à travers le monde. Pourtant, la sauce n’a pas pris auprès de la critique et du public américain : le film n’atteindra en effet que la note de 5,2/10 sur un panel de 151 critiques réunies par le site Rotten Tomatoes, et ne récoltera que 30 millions de dollars au box-office US… pour un budget de 35.

S’ils n’ont jamais su, au fil des films et des années, retrouver pleinement la magie qui animait leur coup d’essai Little Miss Sunshine en 2006, les duettistes Jonathan Dayton et Valerie Faris sont néanmoins parvenus à se dessiner, petit à petit (seulement trois films en douze ans), une filmographie rayonnante, humaine et sincère, composée de films que le public pourra sans aucun doute voir et revoir avec plaisir, de la même façon que les clips qu’ils signent depuis quelques années maintenant pour des groupes tels que, par exemple, Red hot chili peppers.

Dernier « phénomène » en date du film d’action international en termes de grand spectacle, The villainess a fait sensation lors de sa présentation, hors compétition, lors de l’édition 2017 du Festival de Cannes. Si le film s’ouvre sur une séquence filmée à la première personne extrêmement violente, dynamique et forcément très inspirée du jeu vidéo, le film reprendra par la suite les rails beaucoup plus traditionnels du polar « à la Coréenne ». Le film prendra donc rapidement la direction d’un récit de vengeance très graphique amené au spectateur sous la forme d’une longue série de flash-backs, mélangeant sans vergogne une histoire d’initiation criminelle sous forme d’entrainement paramilitaire à la Nikita avec le mélo le plus sirupeux, développant un pathos intense et impitoyable, forcément lié à une construction dramatique dont la cruauté est vraiment typique des films sud-coréens que le cinéphile occidental a découvert en masse ces quinze dernières années.

Remake inattendu du film éponyme réalisé par Joel Schumacher en 1990, L’expérience interdite est un « petit » film fantastique n’ayant d’autre prétention que celle de divertir le spectateur durant deux heures sans prise de tête. De fait, le principal intérêt du film de Niels Arden Oplev réside dans la profusion de « visions » fantasmatiques nées de l’esprit de ses personnages suite à leurs « expériences de mort imminente » ou « near death experiences », qui occupent d’ailleurs une large place durant la première moitié du métrage. Ces passages aussi tendus que parfois assez poétiques donnent ainsi à voir au spectateur quelques séquences aux limites de l’abstraction, visuellement splendides et somptueusement mises en scène. Comme l’avait fait Tarsem Singh avec The cell en 2000, le danois Niels Arden Oplev (qui s’était jusqu’ici surtout fait remarquer en 2009 en réalisant Millénium - Le film, première adaptation du roman-phénomène de Stieg Larsson) prend donc le parti de se lâcher en nous proposant à travers ces visions une belle collection d’images formellement superbes, léchées et composées à l’écran avec un talent indéniable – on pense que le cinéaste peut également remercier son directeur photo et collaborateur de longue date Eric Kress.

Présenté avant tout comme un pari esthétique très fort, ce qui était déjà un important motif d’attente, La passion Van Gogh serait peut-être bien finalement un des meilleurs représentants du biopic ultime. C’est-à-dire le biopic qui allie amoureusement forme et fond, qui use de tous les artifices cinématographiques pour parler le mieux possible de son sujet. Et ici, quelle meilleure manière de parler de l’oeuvre de Van Gogh que d’adopter sa forme de peinture dans l’esthétique du film ? Encore mieux, les scènes et les personnages prennent vie à l’intérieur même de ses tableaux, animés pour l’occasion.

Ce mois-ci, Carlotta Films semble bien décidé à explorer tous les aspects de la filmographie du producteur David O. Selznick : ainsi, parallèlement au « gigantisme » épico-lyrique représenté par Duel au soleil (1946), l’éditeur nous propose également de découvrir une autre facette de ce producteur mythique avec Le portrait de Jennie de William Dieterle (1948), œuvre délicate, romantique et toute en nuances évoquant une étrange obsession amoureuse et esquissant les contours d’un personnage féminin aussi fascinant qu’irréel.

Avec Duel au soleil, David O. Selznick et King Vidor ont créé la surprise avec un film qui cassait ouvertement tous les codes du western classique en s’imposant comme non seulement comme un western très spectaculaire mais également un mélodrame baroque, lyrique, souvent excessif et parfois sur la corde raide entre le sublime et le kitsch.