Blu-ray, DVD, livres

47 Ronin – Le Sabre de la vengeance est un film un peu anachronique, fleurant bon le DTV du début des années 2000. Tourné à Budapest, il évoque les actioners mis en boite en Hongrie par Steven Seagal ou Jean-Claude Van Damme il y a quinze / vingt ans.

Porte-drapeau d’une télévision féministe d’un nouveau genre, la première saison de Harlots avait plongé le spectateur au cœur d’une véritable « guerre » entre deux maisons closes du quartier de Covent Garden à Londres. Créée et développée par Alison Newman et Moira Buffini, la série a la particularité de n’être produite, écrite et réalisée que par des femmes. Des femmes qui se consacrent à d’autres femmes donc, pour tenter d’humaniser celles qui n’étaient résumées dans le Harris’s list of Covent Garden ladies (1757-1795) que par la description détaillée de leurs pratiques sexuelles. Dans Harlots, les « putains » prennent donc leur revanche, l’intrigue de la série s’attachant au contraire à mettre en avant le statut des femmes – de petite vie, mais pas uniquement, comme le montre de façon assez brillante l’introduction du personnage de Lady Fitz, incarné par Liv Tyler – dans l’Angleterre du XVIIIème Siècle, tout autant que leur lutte perpétuelle pour obtenir un semblant de dignité ou de « liberté » au sein d’une société qui les écrase totalement.

Genre bien établi de la comédie américaine depuis de nombreuses années maintenant, la « comédie de mariage » a toujours le vent en poupe, les auteurs rivalisant littéralement d’ingéniosité afin de tourner en dérision une cérémonie et plus largement une « institution » incontournable de l’American Way of Life. On se souvient, pêle-mêle, de Serial noceurs, Mariage à la grecque 1 et 2, The big divorce, Mes meilleures amies, Donne-moi ta main, I love you man, Meilleures ennemies, Le témoin amoureux, Témoin à louer ou encore du très amusant Hors contrôle… Aujourd’hui, c’est Table 19 qui débarque directement en vidéo sous les couleurs de 20th Century Fox, sans passer par la case cinéma – malgré un solide capital sympathie du côté des colonnes de critique-film, le film s’est en effet ramassé un beau gadin au box-office américain en ne réalisant que 3,6 millions de dollars de recettes, ne suffisant même pas à rentabiliser un budget –pourtant modeste– de cinq millions.

Les progrès technologiques prennent de plus en plus d’importance dans nos vies. Quel que soit le domaine, l’objectif reste le même : simplifier notre quotidien et le rendre plus agréable. Cependant, lorsqu’ils sont mal maîtrisés, ils peuvent causer du tort aux humains et parfois être mortels. Malheureusement pour eux, un groupe de scientifiques en a fait les frais, en devenant les victimes de leur création Morgane (Anya Taylor-Joy). En effet, cette expérience biotechnologique, arborant les traits d’une douce et innocente jeune fille, révèle une intelligence redoutable et une force incontrôlable. (...)

Curieux mélange de Film Noir et de film de propagande anti-nazie, tirant même par moments vers le cinéma fantastique, Espions sur la tamise est le troisième film de Fritz Lang abordant de façon frontale la menace liée au troisième Reich, après Chasse à l’homme (1941) et Les bourreaux meurent aussi (1943). Fritz Lang semblait d’ailleurs ne beaucoup porter Espions sur la tamise dans son cœur ; à la fin des années 60, dans les colonnes de Positif, il le balayait d’un revers de la main, lapidaire : « Je ne crois pas que ce soit un bon film ». Les raisons de ce désamour sont probablement liées au fait que les diverses modifications qu’il désirait apporter au scénario furent toutes rejetées en bloc par le scénariste, Seton I. Miller, également producteur du film.

K-on ! Le film est le « spin off » cinématographique des aventures des filles du club de musique du lycée Sakuragaoka, après quatre tomes sur papier et deux saisons animées en 2009/2010. Le film met en scène le voyage de fin d’étude à Londres des cinq filles du groupe Ho-kago Tea Time.

Quelques années après Spotlight, qui lui permit d'obtenir 2 Oscars, Tom McCarthy revient sous les feux de la rampe avec Stillwater, un intéressant drame prenant la forme d’une chronique familiale teintée d’enquête policière.

Conçu comme un terrain d’expérimentations formelles et narratives complètement fou et décomplexé, Space Dandy déroute et amuse, imposant son rythme soutenu, son humour très particulier et ses épisodes plus barrés les uns que les autres.

Étant donné qu’Amour et mort dans le jardin des dieux développe, dans son intrigue, une trouble relation incestueuse entre un frère et une sœur, il est amusant de noter que l’idée de « famille » et de fraternité se retrouve également derrière la caméra, du côté de ceux qui ont mis en boite cet étrange giallo inédit, que nous découvrons aujourd’hui grâce au Chat qui fume. Le film est donc écrit et réalisé par un certain Sauro Scavolini : ce dernier compte par ailleurs à son palmarès plusieurs scénarios de films très connus des amateurs de cinéma d’exploitation italien des années 70, puisqu’il a entre autres signé ou cosigné les scripts de La cité de la violence (Sergio Sollima, 1970), de La queue du scorpion (Sergio Martino, 1971), de Ton Vice est une chambre close dont moi seul ai la clé (Sergio Martino, 1972), de Toutes les couleurs du vice (Sergio Martino), de Le cynique, l'infâme et le violent (Umberto Lenzi, 1977) ou de Mannaja, l’homme à la hache (Sergio Martino, 1977)… et même – plus surprenant – de La femme infidèle de Claude Chabrol !

Complexes, tortueuses, les intrigues déployées lors de cette quatrième saison mettent en exergue les multiples manœuvres et rapports de force politiques mis en œuvre depuis les débuts de ce show exceptionnel. La situation en arrive à un point explosif et on commence à penser que la chute des Lannister et le début des hostilités pour la conquête du trône de fer à Port-Réal n’est pas loin...

Sur le papier, tous les signaux étaient au vert pour faire de Super Mario Bros. – Le film une expérience sur grand écran qui rende enfin justice à l'univers développé par Nintendo depuis presque 40 ans autour de la franchise vidéoludique.

Monster Dog a toujours été considéré comme « le film d’horreur d’Alice Cooper » : s’il n’était absolument pas impliqué dans l’écriture du scénario ou le choix du sujet, le film nous donnait à voir et à entendre deux titres inédits.