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Le moins que l’on puisse dire, c’est que la première saison de Penny Dreadful avait fait sensation, provoquant même un petit séisme sur la planète série l’année dernière. Si la fébrilité entourant la série est certes un peu retombée avec le temps, la deuxième saison du show n’en était pas moins farouchement attendue au tournant…

Si l’on ne mettra pas en soute la sincérité d’Emmanuel Gillibert, qui semble porter le projet depuis fort longtemps dans son cœur, à l’heure où Les dents, pipi et au lit est débarqué sur les écrans français, il n’a finalement fait « que » s’ajouter à une longue, très longue liste de ce qu’on pourrait qualifier de « comédies de séparation » ; on pourrait même ajouter une sous-catégorie à ce nouveau genre : celui de la comédie de séparation « de garde alternée ». Papa ou maman, Tout pour être heureux, Daddy cool, Sous le même toit, Mon poussin, Les ex… Autant de comédies romantiques développant le même humour potache tendant vers le « trash familial » –avec un attachement tout particulier à faire rire avec des enfants– et dressant le même constat social concernant la régression de la gent masculine vers un état d’éternel adolescence. On notera d’ailleurs qu’en règle générale, l’évolution des personnages masculins dans ce genre de films se fait par le biais des enfants, qui, paradoxalement, amènent les hommes à « grandir ».

La seconde Guerre Mondiale a souvent été évoquée par le cinéma d’animation japonais. Si l’on avait tendance à garder jusqu’ici uniquement en mémoire « LE » film de référence sur le sujet, à savoir le bouleversant Tombeau des lucioles d’Isao Takahata (1988), il semblerait bien qu’aujourd’hui, un deuxième film change un peu la donne, en parvenant à s’imposer comme une des plus belles évocations de cette période trouble de l’Histoire japonaise.

La plus grande force d’Au revoir les enfants est probablement le talent avec lequel Louis Malle a su éviter au cœur de son film les écueils de la sensiblerie ou du pathos à outrance. Fin, refusant tout manichéisme ou stigmatisation, notamment dans sa représentation des membres du corps ecclésiastique (un thème auquel Costa-Gavras consacrerait un film des années plus tard, sans faire preuve de la même finesse malheureusement).

Mettant en scène une course de chevaux à travers les grands espaces de l'Ouest américain, La chevauchée sauvage est la réponse de Richard Brooks en mode « western » à la multitude de films de bagnoles qui envahissaient les écrans depuis le début des années 70.

Fable technologique autant que philosophique, parfois satire politique et parfois errance métaphysique, Mr. Robot est une série toujours aussi surprenante – c’est le moins que l’on puisse dire. Porté par des acteurs brillants, une écriture aux petits oignons et une réalisation solide, il n’en est que plus dommage que le dernier épisode nous laisse sur notre faim. Incontournable !

Malgré un passage remarqué en France en 2013, avec sa présentation lors de la 19ème édition du Festival International des Cinémas d’Asie, puis de la 8ème édition du Festival du Film Coréen, Jiseul n’est finalement jamais sorti dans les salles françaises – on remercie donc chaudement Spectrum Films qui nous permet aujourd’hui de découvrir ce quatrième film d’O Muel, qui s’avère définitivement un sacré morceau de péloche en provenance du pays du matin calme.

Barré, généreux, foisonnant d'idées foutraques, Cabal est probablement le film le plus ambitieux de Clive Barker. Suivant une vague ligne directrice biscornue passant du thriller au film de monstres le plus débridé, le cinéaste / romancier s'y permet nombre de digressions...

En France, on a parfois tendance à résumer Roger Corman à une simple casquette de producteur débrouillard et un brin cynique. C'est un tort : on oublie trop souvent le grand cinéaste qu'il fut avant de prendre sa retraite de réalisateur, au fur et à mesure, au fil des années 70. Touche à tout, aussi à l'aise dans la chronique socio-politique (le formidable The intruder) que dans le formalisme le plus pur (ses sublimes films gothiques adaptés d'Edgar Allan Poe), Corman avait un don indéniable pour capter l'air du temps, et s'avérait un sacré metteur en scène, surtout quand les budgets qui lui étaient alloués lui permettaient de porter à l'écran ses idées les plus folles.

Après La fille du 14 juillet, un premier film sympathique mais inégal, Antonin Peretjatko enclenche la surmultipliée avec La loi de la jungle, un film jouissif, complètement déjanté, un film qui fonce à bride abattue mais que son réalisateur arrive à maîtriser du début jusqu’à la fin. Certes, il est certain que ce film laissera quelques spectateurs sur le bord de la route mais on peut espérer que, face à la morosité actuelle, nombreux seront celles et ceux qui viendront se soigner avec ce tourbillon tout à la fois loufoque et sérieux.

Ce mois-ci, Carlotta Films semble bien décidé à explorer tous les aspects de la filmographie du producteur David O. Selznick : ainsi, parallèlement au « gigantisme » épico-lyrique représenté par Duel au soleil (1946), l’éditeur nous propose également de découvrir une autre facette de ce producteur mythique avec Le portrait de Jennie de William Dieterle (1948), œuvre délicate, romantique et toute en nuances évoquant une étrange obsession amoureuse et esquissant les contours d’un personnage féminin aussi fascinant qu’irréel.

Pour les cinéphiles ayant suivi avec attention la programmation du « Ciné-Club » de Nicolas Boukhrief entre 1997 et 1999, le nom d’Agustín Díaz Yanes n’est pas inconnu : il s’agit en effet du réalisateur de l’excellent Personne ne parlera de nous quand nous serons mortes (1995). Et finalement, le cinéaste espagnol, peu prolifique, n’aura pas énormément étoffé sa filmographie depuis ce premier film : après Sans nouvelles de Dieu (2001) et Capitaine Alatriste (2006), il tournerait en 2008 Solo quiero caminar (« Je veux juste marcher »), la suite de son premier film, toujours avec Victoria Abril, et malheureusement toujours inédit en France à ce jour. Le compte est bon : Oro, la cité perdue n’est que son cinquième film en l’espace de… vingt-trois ans.