DVD

Si en France on dit que l’habit ne fait pas le moine, les anglophones préconisent de ne « jamais juger un livre à sa couverture » (never judge a book by its cover). De la même façon, on ne devrait jamais juger une série à l’aune de son titre. Ainsi, ceux qui auront supposé à la seule lecture du titre que The Frankenstein chronicles piétinerait sans vergogne les plates-bandes d’une série telle que Penny Dreadful (2014-2016) en seront pour leurs frais – l’ambiance et les thématiques développées par la série créée par Barry Langford et Benjamin Ross n’ont en effet rien à voir avec le défilé de monstres à la sauce Ligue des Gentlemen Extraordinaires / Dark universe que l’on pouvait attendre.

Le 28 mai 2017, The square est entré dans l'Histoire du cinéma en remportant la Palme d'or lors de la 70ème édition du Festival de Cannes. Elle a été remise par Juliette Binoche et le président du jury Pedro Almodóvar. Pourtant, le film « divise » les spectateurs, et jusque dans les rangs des critiques officiant dans les colonnes de critique-film.fr, on ne sait réellement sur quel pied danser avec le film de Ruben Östlund.

Découvert en 1997 avec l'excellent J'irai au paradis car l'enfer est ici (on n'a d'ailleurs jamais eu réellement l'occasion de constater si le film avait vieilli puisqu'il reste encore à ce jour inédit en DVD en France), Xavier Durringer a depuis une vingtaine pris le parti d'alterner les films de cinéma et les productions destinées à la télévision. Ainsi, le cinéaste ne rechigne pas à tourner des téléfilms ou épisodes de séries télé. On aurait d'ailleurs bien du mal à ne pas le comprendre, en un sens : Durringer a su faire le choix de tourner pour le public, et semble tenir à ce que son œuvre soit découverte par le plus grand nombre.

Depuis un peu plus de vingt ans et la révélation de son charisme animal dans Tueurs nés (Oliver Stone, 1994), Woody Harrelson s’est spécialisé dans les rôles troubles, propres à mettre en avant ses allures de fauve imprévisible et dangereux. De Bienvenue à Zombieland (Ruben Fleischer, 2009) à Rampart (Oren Moverman, 2011) en passant par sa prestation très remarquée dans la série True detective (2014), on ne compte en effet plus ses compositions de psychopathes et autres inadaptés sociaux, ne parvenant à s’exprimer que dans la violence. Souvent à la limite du cabotinage, mais toujours réellement impressionnant et charismatique, l’acteur porte parfois littéralement les films dans lesquels il joue sur ses épaules, la fièvre de son interprétation emportant tout sur son passage.

A la découverte de Brigsby bear, film indépendant ayant fait sensation à la Semaine de la critique lors de l'édition 2017 du Festival de Cannes, plusieurs noms traverseront forcément l'esprit du spectateur : celui de Michel Gondry évidemment (il y a un peu de Soyez sympa, rembobinez et de La science des rêves dans le film de Dave McCary), mais également celui de Garth Jennings (Le fils de Rambow), mais encore et surtout celui de l'américain Jared Hess, réalisateur du formidable Gentlemen Broncos (2009). A la différence près que là où Jared Hess nous proposait une ambiance douce-amère et un monde où les rêveurs ne trouvaient que difficilement leur place, Dave McCary et Kyle Mooney, acteur et co-scénariste du film, nous plongent avec Brigsby bear au cœur d'un univers extrêmement positif, puisqu'il nous est présenté à travers les yeux d'un personnage voyant toujours le bon côté des choses ; rien d'étonnant à cela quand on considère qu'il a passé vingt ans à suivre les conseils d'un ours télévisuel lui conseillant de ne jamais baisser les bras.

Zombillénium s’impose omme un divertissement rythmé et coloré, non dénué d’intelligence, et terriblement attendrissant. Une œuvre pop, bonne surprise française dans le monde très américanisé du cinéma d’animation.

Si à la découverte de la jaquette de Liaisons à New York, vous craigniez de subir un énième comédie romantique 2.0 se déroulant dans la « Grosse Pomme », vous pouvez d’ores et déjà vous rassurer : le film de Marc Webb n’est absolument pas de cette engeance. Il s’agit en fait d’un projet porté pendant une douzaine d’années par son scénariste Allan Loeb, puisqu’il était déjà présent sur la cuvée 2005 de la fameuse « Black List » qui recense les meilleurs scénarios n’ayant pas été porté à l’écran. Marc Webb avait été, à l’époque, attaché au projet avant même la réalisation de (500) jours ensemble, et bien avant ses compromissions Hollywoodiennes l’ayant amené à réaliser pour Sony les deux opus de The amazing Spider-Man entre 2012 et 2014.

Avec Nos années folles, André Téchiné s’attaque à l’adaptation d’une histoire vraie : celle d’un déserteur de la Grande Guerre finissant, au début des années 20, par se travestir, puis par la suite par se prostituer. Au cœur de son œuvre depuis de nombreuses années, les réflexions sur le « genre » (ou l’identité personnelle et sexuelle) se retrouvent donc à nouveau au centre du nouveau film du cinéaste français, aujourd’hui âgé de 75 ans, et dont la modernité a toujours de quoi surprendre.

Sorti en 2015 un peu partout dans le monde, mais n’ayant débarqué dans les salles françaises qu’au deuxième semestre de l’année 2017, Office marque les retrouvailles très attendues entre trois noms prestigieux du cinéma HongKongais : Johnnie To (réalisateur), Sylvia Chang (actrice, scénariste) et Chow Yun-fat (acteur). Un trio que les amateurs de cinéma asiatiques connaissent bien, puisqu’on les avait déjà rencontré au générique des mêmes films dans le très intéressant All about Ah-Long en 1989, qui fut suivi en 1990 de la comédie The fun, the luck & the tycoon.

A une époque où les séries se prolongent, s'étirent et, parfois, s'éternisent d'année en année, augmentant parfois sensiblement leur nombre d'épisodes d'une saison à l'autre sans pour autant avoir plus de choses à raconter au spectateur, le fait de voir débarquer une mini-série composée de seulement trois épisodes est déjà une bouffée d'air frais : peu de chance avec Kim Kong d'attraper mal au crâne rien qu'en pensant aux douze heures que nécessiteront le visionnage du show.

Souvent qualifiés d’anti-James Bond, les récits d’espionnage imaginés par John le Carré privilégient clairement le réalisme et la description précise d’une série d’enjeux socio-politiques, au détriment de l’action et des délires exotiques signés Ian Fleming, et adaptés au cinéma à partir de 1962 avec James Bond 007 contre Dr. No. Quand il décide d’aborder l’adaptation d’un roman de John le Carré en 1966, cinq films mettant en scène l’agent 007 sont déjà sortis sur les écrans du monde entier, et Sidney Lumet a donc bien en tête ce à quoi ne ressemblera PAS The deadly affair, qui sortirait en 67 en France sous le titre M.15 demande protection. Paradoxalement

Ce qui frappe sans doute le plus aujourd’hui, à la découverte du Gang Anderson de Sidney Lumet, n’est pas tant l’aspect ouvertement orienté « divertissement » de ce film de casse, mais plutôt cette obsession développée par Lumet tout au long du métrage autour de la notion de « surveillance ». Une paranoïa justifiée par l’affaire du Watergate, contemporaine de la mise en chantier du film, et prenant une ampleur toute particulière dans Le gang Anderson, poussant le flicage de ses personnages par tout un dispositif de surveillance digne du 1984 d’Orwell, et présentant les Etats-Unis des années 70 comme un état policier où l’intimité n’a même plus sa place.