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Proxénète française à la renommée internationale, s’étant éteinte en 2015 à l’âge de 92 ans, Fernande Grudet alias Madame Claude demeure, encore aujourd’hui, une personnalité assez opaque, dont l’existence a semble-t-il nourri énormément de fantasmes, de légendes et d’exagérations au fil des années 70-80.

Il semble difficile de nos jours, à la découverte du Pirate des Caraïbes, de ne pas se rendre compte à quel point le film de James Goldstone pouvait paraître anachronique à sa sortie en 1976, longtemps après la fin de l'âge d'or du film de pirates Hollywoodien...

Presque vingt ans après She's having a Baby, Judd Apatow signait avec En Cloque : Mode d'emploi une déclaration d'amour immodérée au cinéma de John Hughes, en y apportant beaucoup de ses marottes et autres obsessions personnelles.

Unique film historique de la carrière de Paul Verhoeven, La Chair et le Sang est en quelque sorte le petit orphelin de sa filmographie. Pourtant, il est extrêmement représentatif du style du cinéaste.

Le dernier long-métrage de Gaspar Noé, loin d’être parfait, déploie une énergie communicative et une spontanéité impressionnantes. Bien entendu, si vous n’avez pas aimé les précédents films du cinéaste, vous n’aimerez pas non plus Climax.

Sous ses allures de chronique désabusée de la jeunesse israélienne, Vierges est un film utilisant un élément fantastique afin d'illustrer symboliquement le récit initiatique qu'il met en scène. A l'origine de cette plongée dans le fantastique

Dans le noir est l’adaptation, la « version longue » pourrait-on presque dire, d’un court-métrage suédois ayant fait sensation en 2013 intitulé Lights out. Un court maitrisé et puissant, mis en scène avec des bouts de ficelle et beaucoup d’inventivité...

Cette semaine, Walt Disney nous offre avec Cendrillon et Clochette et la créature légendaire deux films tout spécialement destinés à un public de très jeunes filles pré-pubères.

Constamment à la lisière du fantastique, naviguant dans la plus étonnante étrangeté, Lost river convoque à la fois les cinémas de David Lynch et de Dario Argento, tout en baignant dans un réalisme cru fait de misère et de violence sociale. Le premier long-métrage de Ryan Gosling, photographié par Benoit Debie dans des couleurs proches des giallos des années 70, emmène le spectateur au cœur d'un monde à la fois familier et fantasmagorique

On ne va pas faire durer le suspense plus longtemps ; vous avez vu la note accordée par l'auteur de ces lignes à la deuxième saison du show créé par Sam Raimi et sa clique – Ash vs. Evil Dead est probablement la meilleure série ayant débarqué sur nos écrans ces dernières années, une réussite inespérée qui, chose vraiment étonnante, est même parvenue à encore s'améliorer d'une saison à l'autre, en renouvelant le show avec une inventivité de tous les instants qui tient vraiment de l'état de grâce, s'il ne s'agit pas, tout simplement, de génie pur et simple. En effet, après une première saison qui avait littéralement réussi l'impossible en restant fidèle à l'esprit des trois films de la saga Evil Dead tout en apportant des nouveautés enthousiasmantes auxquelles même les fans de la première heure n'auraient pas osé rêver, la deuxième saison du show confirme tout le bien que l'on pensait de la série, et dépasse même toutes nos attentes avec dix épisodes extraordinaires.

Basé sur un roman d’Alexeï Salnikov « Les Petrov, la Grippe, etc. » (Editions des Syrtes, 2020), le film commence en suivant le personnage de Petrov (Semion Serzine), malade, voyageant dans un bus et entouré de personnages bizarres.

En totale cohérence avec le reste de la (longue) carrière de Raymond Depardon, 12 jours se situe à la croisée des chemins entre deux thématiques importantes de son œuvre : la justice d’un côté, et la psychiatrie de l’autre. Reprenant le dispositif technique d’un film tel que Délits flagrants (1994), en y ajoutant une certaine idée de « proximité » via l’utilisation de champs/contrechamps, 12 jours aborde donc la problématique de l’hospitalisation contrainte par le biais de la parole. Sans stigmatiser ni caricaturer, Depardon met en lumière dix « cas » précis, en prenant le temps de laisser s’installer le dialogue entre le juge et le patient. Souvent fascinant, toujours passionnant, le film se laisse également quelques plages de « repos » entre chaque cas clinique, sur une musique douce signée Alexandre Desplat, comme pour mieux laisser le spectateur s’’imprégner de ce qui a été dit.