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Sans vouloir verser dans l'anti-américanisme primaire, l'idée de l'American Way of Life, du rêve américain, et de la réussite personnelle au pays des « opportunités » semble tout de même souvent s'amalgamer avec une obsession assez malsaine de l'argent et des armes. Qu'il s'agisse de la culture « rap » ou du culte autour de Scarface, gros billets et grosses pétoires font souvent la paire dans l'imaginaire aux États-Unis, le pays de la libre entreprise et de l'ultra-capitalisme, qui est aussi le pays où le deuxième amendement de la Constitution garantit pour tout citoyen américain le droit de porter des armes.

Charlie Bravo est le dernier volet de la « trilogie » de Claude Bernard-Aubert consacrée à la guerre d’Indochine. Si les films français évoquant la débâcle française face aux Viêt Minh ne se bousculent pas franchement au portillon - on se souvient forcément de La 317ème section (Pierre Schoendoerffer, 1965) - Claude Bernard-Aubert quant à lui fut l’un des rares à évoquer ce conflit de manière frontale, d’abord avec Patrouille de choc (1957), puis avec Le facteur s'en va-t-en guerre (1966), pour terminer avec son film le plus ambitieux, Charlie Bravo (1980). C’est donc avec une grande curiosité que l’on (re)découvrira Charlie Bravo, rareté que Gaumont vient d’exhumer dans sa collection « Gaumont à la demande ».

L’humour des frères Wayans, et en particulier de l’inénarrable Marlon, probablement le plus bouffon d’entre eux, a fait les beaux jours des comédies américaines du début des années 2000 ; ses films engrangeaient des entrées au box-office, et ses films sont même parvenus avec une certaine régularité à se frayer un chemin vers les zygomatiques du public français, en particulier avec les deux premiers opus de la saga Scary movie (2000/2001), mais également dans une moindre mesure avec FBI : Fausses blondes infiltrées (2004) et Little man (2006).

Alors que depuis de nombreuses années on ne compte plus les films et/ou séries TV s’étant fait un point d’honneur à proposer une vision « naturaliste » du boulot de flic ou de représentant de l’ordre, personne pour l’instant ne semblait s’être attaché à représenter de façon « réaliste » les petites mains qui s’agitent, de l’autre côté de la barrière de la loi, autour du trafic de stupéfiants. Question de morale sans doute – qu’il s’agisse de petit ou gros trafic de drogue, la représentation que l’on en a généralement dans la fiction est soit complètement diabolisée, soit au contraire montrée sous le jour excessivement flatteur et assez ridicule popularisé par le « Gangsta Rap », sous-entendant presque qu’il suffit de claquer des doigts pour se monter un business viable et amasser le cash, les guns, filles faciles et autres grosses bagnoles.

Adapté du roman éponyme de Iain Levison, Un petit boulot est une comédie « sociale » en mode noirissime. Mettant en scène un ouvrier ayant tout perdu (job, femme, télé…) se mettant à enchainer les meurtres commandés pour sortir de la crise, le film de Pascal Chaumeil, décédé juste après le tournage, s’avère une bonne surprise, portée par le talent de Romain Duris, impeccable en prolo barbu et hirsute retrouvant sa dignité en liquidant son prochain.

Le mystère du « jeune » a toujours intrigué les cinéastes, qui cherchent à en percer les énigmes, à saisir l’état d’esprit qui émane de cette période vague et indéfinie (il n'existe pas de définition « officielle » de l'âge de la jeunesse), et à retranscrire sur un écran de cinéma le fameux phénomène du « coming of age » ou du passage à l’âge adulte, cette indicible progression vers l'autonomie et la maturité. Avenir, amour, découverte de la sexualité, questions existentielles et lutte entre les générations font donc partie des thèmes que l’on retrouve dans de nombreux films depuis des années : on pense notamment –forcément – à La fureur de vivre (Nicholas Ray, 1955), au cinéma de Larry Clark et à Kids (1995) en particulier, ou encore, de notre côté de l’Atlantique, à des films tels que La gifle (Claude Pinoteau, 1974), Diabolo menthe (Diane Kurys, 1977) ou encore, plus récemment, Bang Gang (une histoire d'amour moderne) (Eva Husson, 2015). Ce ne sont là que quelques exemples parmi les plus évidents sur des centaines et des centaines de films explorant ce thème du « coming of age ».

Malgré un passage remarqué en France en 2013, avec sa présentation lors de la 19ème édition du Festival International des Cinémas d’Asie, puis de la 8ème édition du Festival du Film Coréen, Jiseul n’est finalement jamais sorti dans les salles françaises – on remercie donc chaudement Spectrum Films qui nous permet aujourd’hui de découvrir ce quatrième film d’O Muel, qui s’avère définitivement un sacré morceau de péloche en provenance du pays du matin calme.

Le premier chapitre de l’épopée sur le grand retour de Mel Gibson peut être considéré comme un succès d’estime. Blood father n’a pas vraiment déplacé les foules en France et son impact sur le marché américain est encore plus anecdotique, car il n’y est sorti qu’en vidéo à la demande. Or, l’enjeu principal de cette offensive de charme de la part de la vedette d’antan est de rétablir petit à petit sa réputation en tant que valeur respectable et finalement fiable

Si incongrue l’annonce de la mise en chantier d’un remake de Ben-Hur fut-elle, le fait de voir débarquer ce film pour le moins inattendu (au tournant) dans la filmographie de Timur Bekmambetov n’eut en revanche rien d’étonnant pour les cinéphiles suivant la carrière cinématographique de ce réalisateur russe, pour le moins adepte du grand écart stylistique.

On pensait partir vers un thriller, on est surtout en face d'une intrigue psychologique, dans le portrait de deux femmes attachantes, dans le retour vers la vie d'une femme qui était tombée au fond du trou, et c'est plutôt réussi.

Récit d’infiltration extrêmement classique, d’autant plus qu’il s’inspire de faits réels décrits dans le livre autobiographique de Robert Mazur, Infiltrator permet à Brad Furman de signer un nouveau polar, quelques années après La défense Lincoln, qui avait fait exploser sa carrière dans le genre, et de retrouver la côte Est des Etats-Unis, à laquelle il semble décidément très attaché.

20 ans après sa sortie dans les salles, Shine demeurait un excellent souvenir de cinéma, dont l’empreinte vivace qu’il avait laissé sur nos mémoires étaient liées à quelques séquences très fortes et bouleversantes, le tout étant porté par l’interprétation habitée d’un Geoffrey Rush alors quasiment inconnu des spectateurs européens.