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La sortie en 1977 de Hamburger, film sandwich a contribué à révéler plusieurs talents : celui des Zucker / Abrahams / Zucker bien sûr, qui signaient le scénario du film, mais aussi celui de John Landis, qui deviendrait quelques années plus tard un des réalisateurs de comédies les plus populaires des années 80. Mais si le film à sketches était un galop d’essai pour les ZAZ, John Landis quant à lui avait déjà réalisé un film en 1973 : Schlock. Sorti en France en mars 1976 sous le titre Schlock, le tueur à la banane, le film bénéficie aujourd’hui d’une sortie Blu-ray inespérée sous les couleurs de Carlotta Films…

S’il n’a certes enregistré qu’un peu plus de 117.000 entrées lors de sa sortie en France en 2001, Time and Tide a toujours bénéficié d’une excellente réputation dans l’hexagone. Porté aux nues par les critiques des Cahiers du Cinéma, des Inrocks, de Télérama ou du Monde, le film de Tsui Hark se posait en représentant incontournable d’un cinéma d’action « intellectuellement correct », fréquentable, à l’inverse des expériences américaines menées par le cinéaste quelques années plus tôt, et mettant en scène Jean-Claude Van Damme. D’un côté, on avait donc les deux films tournés avec Van Damme, Double team et Piège à Hong Kong – considérés comme vils, beaufs et putassiers. De l’autre Time and Tide, ou la classe absolue d’un cinéaste en état de grâce, tornade ébouriffante et déconstruite renvoyant autant à Godard qu’à Alain Resnais. Mouais. Avec une vingtaine d’années de recul, on pourra plus que jamais affirmer que la vérité se trouve entre les deux. Si l’on a peut-être un peu vite crié au chef d’œuvre à l’époque de sa sortie, Time and Tide demeure encore aujourd’hui un sacré morceau de péloche ; de leur côté, les deux films de Tsui Hark avec Van Damme restent également d’excellents divertissements, poussant peut-être même le bouchon encore plus loin que Time and Tide en ce qui concerne les expérimentations formelles.

Un peu plus de trente ans après sa sortie dans les salles françaises, la redécouverte de Comme un chien enragé provoquera à coup sûr une interrogation dans l’esprit du spectateur contemporain : mais qu’est-il donc arrivé à James Foley ?

Sous l'influence de E.T. L'extra-terrestre et plus largement de toute la vague de cinéma à grand spectacle développé par Amblin Entertainment dans les années 80, de nombreux studios concurrents se sont essayé, durant cette glorieuse décade, à des films de science-fiction clairement destinés à un public familial. Splash, Explorers, Starman, Enemy, Cocoon, Short circuit, Golden child - L'enfant sacré du Tibet ou encore Willow sont par exemple autant d'enfants « illégitimes » de Steven Spielberg et Amblin, nés d'une volonté de surfer sur le succès grandissant de ces films écrits et réalisés par une génération de cinéastes ayant été biberonnés à La quatrième dimension.

En 1982, la production d’À armes égales a probablement profité du succès de L'implacable ninja, mais on serait bien mal avisé de ne voir dans le film de John Frankenheimer qu'un succédané de la franchise dégénérée créée par la Cannon.

Après avoir sorti en septembre 2016 deux films comptant parmi les plus sublimes réalisés par King Hu (A touch of zen et Dragon inn – lire notre article), Carlotta Films a remis le couvert en ce début du beau mois de mai avec la sortie en DVD et Blu-ray de La légende de la montagne (1979). Faisant partie des films les plus appréciés et les plus indéboulonnables de la riche filmographie de King Hu, la sortie de La légende de la montagne sur support Haute Définition devrait selon toute logique ravir les amoureux de wu xia pian... Même si le film de King Hu, malgré les apparences, n’en est pas tout à fait un (aucun combat au sabre ici, on navigue plutôt dans le fantastique pur et dur).

Ce mois-ci, Carlotta Films semble bien décidé à explorer tous les aspects de la filmographie du producteur David O. Selznick : ainsi, parallèlement au « gigantisme » épico-lyrique représenté par Duel au soleil (1946), l’éditeur nous propose également de découvrir une autre facette de ce producteur mythique avec Le portrait de Jennie de William Dieterle (1948), œuvre délicate, romantique et toute en nuances évoquant une étrange obsession amoureuse et esquissant les contours d’un personnage féminin aussi fascinant qu’irréel.

Avec Duel au soleil, David O. Selznick et King Vidor ont créé la surprise avec un film qui cassait ouvertement tous les codes du western classique en s’imposant comme non seulement comme un western très spectaculaire mais également un mélodrame baroque, lyrique, souvent excessif et parfois sur la corde raide entre le sublime et le kitsch.

Sorti en 2015 un peu partout dans le monde, mais n’ayant débarqué dans les salles françaises qu’au deuxième semestre de l’année 2017, Office marque les retrouvailles très attendues entre trois noms prestigieux du cinéma HongKongais : Johnnie To (réalisateur), Sylvia Chang (actrice, scénariste) et Chow Yun-fat (acteur). Un trio que les amateurs de cinéma asiatiques connaissent bien, puisqu’on les avait déjà rencontré au générique des mêmes films dans le très intéressant All about Ah-Long en 1989, qui fut suivi en 1990 de la comédie The fun, the luck & the tycoon.

La carrière de William Friedkin a beau être jalonnée de chefs d’œuvres, Police fédérale, Los Angeles, est probablement le plus fascinant, et, même s’il a probablement moins marqué de son empreinte la culture populaire qu’un film tel que L’exorciste, celui provoquant chez le spectateur le souvenir le plus marquant et le plus durable. Sorti sur les écrans en 1985, ce polar hardcore est le fruit vénéneux d'une certaine époque durant laquelle Friedkin, encore largement auréolé par les cartons publics et critiques de French connection (1971), de L’exorciste (1973) ou encore de Cruising (1980), n'avait plus rien à prouver à personne, et se laissait aller à la tentation de la bande hargneuse et jusqu'au-boutiste, balancée comme un uppercut à la face du public.

Mêlant habilement une conscience politique aiguë à un scénario machiavélique, Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon n'a pas pris la moindre ride, et conserve encore aujourd’hui une acuité remarquable.

Film assez unique et typique des années 60, La dixième victime se situe au carrefour de multiples influences, que l’on n’imaginait pas forcément voir un jour cohabiter au sein d’un seul et même long-métrage. Premièrement, on a donc un scénario de Ennio Flaiano et Tonino Guerra, collaborateurs réguliers de Federico Fellini, qui adaptent avec l’aide d’Elio Petri et Ernesto Gastaldi, chantres d’un certain cinéma populaire très orienté à gauche, une nouvelle de Robert Sheckley, auteur américain de science-fiction, qui semble pourtant à cent lieues de leurs univers respectifs.