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Contredisant les idées préconçues que les westerns nous ont inculquées depuis les débuts du cinéma, il est tout à fait possible, dans l’ouest des États-Unis, d’être à la fois cow-boy et indien. C’est le cas de Brady, as du rodéo et expert dans le débourrage des chevaux sauvages. Brady vit dans la réserve indienne de Pine Ridge, dans le Dakota du sud, auprès de sa petite sœur Lilly, une jeune autiste atteinte du syndrome d’Asperger, et de Wayne, leur père, un ancien cow-boy devenu accro aux jeux.

Gros succès de librairie de l'année 2015, le livre « La surface de réparation » d'Alain Gillot suivait l'histoire d'un entraîneur de foot solitaire dont toutes les certitudes voleraient en éclats suite à sa rencontre avec un enfant atteint du syndrome d'Asperger : le récit imaginé par Gillot s'attardait surtout sur la façon inattendue dont les deux individus allaient s'aider l'un l'autre à s'ouvrir au monde extérieur. S'étant fait « piquer » le titre par Christophe Régin et son film mettant en scène Franck Gastambide en début d'année (lire notre article), l'adaptation du bouquin d'Alain Gillot a finalement débarqué sur grand écran courant mai 2018, sous le titre Monsieur Je-sais-tout.

C'est Blaq Out qui se charge aujourd'hui de sortir de l'ombre Foxtrot, le petit chef d’œuvre de Samuel Maoz sur support Blu-ray. Et le moins que l'on puisse dire, c'est que l''image est vraiment de toute beauté : précise et plein de détails, le master est superbe, avec un grain préservé, des couleurs et des contrastes aux petits oignons et un piqué d'une précision ahurissante. Un vrai bonheur de découvrir le film dans de telles conditions. Niveau son, la version originale est proposée dans un mixage DTS-HD Master Audio 5.1, au rendu acoustique riche et naturel.

Si vous ne saviez rien de la prise d’otage d’Entebbe, cette production américano-britannique peut éventuellement vous fournir une première introduction à ce chapitre important de l’Histoire récente du terrorisme international. Sinon, les lacunes sont tout de même un peu trop nombreuses, des otages réduits en somme à la fonction de figurants quasiment anonymes jusqu’à quelques prises de position dangereusement tendancieuses

Deux ans après Bone Tomahawk, western mâtiné d’horreur qui explosait littéralement avec son final-choc absolument répugnant, S.Craig Zahler revient avec dans sa besace un autre film de genre dégénéré et absolument fou. On vous prévient donc d’entrée de jeu : le film a beau naviguer dans un genre absolument différent du premier (le film de prison en l’occurrence), Section 99 - Quartier de Haute Sécurité n’en est pas moins à nouveau un film complètement taré, dissimulé derrière un sérieux de façade durant ses deux premiers tiers et nous proposant dans son dernier acte un véritable déchainement d’ultra-violence et de brutalité extrême à ne pas mettre devant tous les yeux. Bien sûr, la décontraction avec laquelle le cinéaste enchaine les horreurs dans la dernière partie du film a un côté vraiment surréaliste et cartoonesque (certains plans, tels que celui du visage à la peau complètement arrachée, semblent tout droit sortis de la série animée Happy tree friends), mais beaucoup de spectateurs risquent cependant aussi d’être choqués, voire même de ne pas réussir à aller au bout du long-métrage.

A l’image de Milla Jovovich ou Kate Beckinsale avant elle, Margot Robbie semble avoir assimilé qu’Hollywood est cruel avec ses actrices, et que l’usine à rêves tend à laisser de côté les femmes après quelques années d’utilisation, comme de vieux kleenex souillés. Ainsi, aujourd’hui, ce sont Jennifer Lawrence et Teresa Palmer qui ont le vent en poupe, reléguant les révélations d’hier (Amber Heard, Jessica Biel…) au vestiaire. De ce fait, Margot Robbie a donc décidé de prendre le taureau par les cornes en produisant elle-même les projets qui lui tiennent à cœur, plutôt que d’attendre patiemment que le téléphone sonne et qu'une opportunité se présente.

Par manque de moyens techniques et, peut-être, d’ambition, les films d’animation en provenance d’Europe n’osent pas forcément s’attaquer au public « familial » ciblé par les productions Disney / Pixar et quelques autres géants de l’animation américaine. De fait, les dessins animés produits sur le vieux continent s’adressent généralement soit à des ados / adultes, soit s’avèrent au contraire plutôt uniquement à destination des « petits » enfants, de 2 à 7 ans, et laissent les parents un peu sur leur faim.

Une incursion dans le monde de la grande bourgeoisie américaine des années 50/60 qui montre l'importance du "qu'en dira-t-on" qui interdit le divorce et tolère l'infidélité, qui décortique les relations de pouvoir basées sur le compte en banque et qui met à nu les différences entre les hommes et les femmes en ce qui concerne leurs motivations dans l'existence.

Dans l’esprit du spectateur contemporain, la carrière de Georges Lautner au cinéma est souvent réduite à ses collaborations, très fructueuses il est vrai, avec le scénariste / dialoguiste Michel Audiard. Cependant, l’œuvre de Georges Lautner ne se limite pas à la série de films qu’il a tournés en suivant la musicalité des mots d’Audiard, de Jean-Marie Poiré ou de Francis Veber, avec qui il a également travaillé à plusieurs reprises. Au contraire, on serait même tenté d’affirmer que c’est bel et bien le talent de metteur en scène de Lautner qui a permis de véritablement « transcender » à l’écran les histoires imaginées par ses scénaristes, de les faire exploser et atteindre leur niveau d’excellence, cette harmonie parfaite du fond et de la forme.

"Morituri" est un des premiers films américains, voire même le tout premier, à raconter un épisode de la deuxième guerre mondiale en le situant du côté allemand.

Avec plus de sept millions d’entrées en France, le succès de La chèvre en 1981 a ouvert au trio gagnant composé de Francis Veber (scénariste / réalisateur), Gérard Depardieu et Pierre Richard (acteurs) une route littéralement pavée d’or dans le petit monde du cinéma français des années 80. Ce sont donc à deux reprises dans les années qui suivraient que les trois personnalités se retrouveraient sur une seule et même affiche : une première fois en 1983 pour Les compères, et une deuxième –et dernière– fois en 1986 pour Les fugitifs.

Pour les spectateurs qui savent s'écarter des schémas classiques du cinéma, il y a la récompense, la vision d'un film aux images splendides, au son très travaillé, un film qui aborde le phénomène de la violence et celui de l'honneur de façon presque abstraite.