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On ne change pas une équipe qui gagne : trois ans après le succès de Tremors 5 en vidéo, Don Michael Paul (réalisateur) et John Whelpley (scénariste) ont donc remis le couvert avec Tremors 6 : A cold day to Hell, qui permet à Michael Gross de renouer avec son rôle fétiche de Burt Gummer, et au spectateur de se replonger dans la nostalgie en repensant à la saga initiée en 1990 par le chef d’œuvre de Ron Underwood.

« Très beau moment de cinéma, A ghost story repose sur une vision unique de David Lowery (Peter et Elliott le dragon). La construction évanescente du récit et l’inventivité de la mise en scène, avec plans lents et cadre particulier de l’image, possèdent une originalité précieuse. Le réalisateur retrouve le couple de son premier film, Les amants du Texas pour cette variation sur le film de maison hantée. Sa force émotionnelle se transmet à travers un drap expressif, un petit mot laissé dans l’embrasure d’un mur et nos propres souvenirs pour combler les ellipses. Casey Affleck disparaît très vite de l’image et pourtant on ressent le poids de son absence sur Rooney Mara, au jeu minimaliste sublimé dans la scène de la tarte à l’effet madeleine garanti.

Avec son style direct et un peu « bourrin », le romancier norvégien Jo Nesbø s’est créé une place à part dans le petit monde glacial et distancié du polar nordique. Si son approche du roman policier demeure relativement proche de celle proposée par ses confrères écrivains d’Europe du Nord (on est certes loin des provocations en tous genres pratiquées par l’irlandais Sam Millar par exemple), sa « patte » est tout de même reconnaissable par un attachement certain pour l’outrance, notamment dans la description des errances misanthropes de son personnage fétiche, l’inspecteur Harry Hole, qui permet à Nesbø de revisiter l’image classique du flic seul contre tous, accro à la clope et la boisson mais doué pour résoudre les enquêtes. Sous la plume de l’auteur, Hole deviendra une espèce d’enquêteur semi-clodo, que l’on retrouvera à ce jour dans un peu plus de dix romans, certes inégaux mais développant un certain goût du « malsain ».

Happy Birthdead s’impose avec un concept fort, mélangeant le slasher à une notion très « science-fiction » de boucle temporelle, l’héroïne du film se voyant contrainte de revivre sans cesse le jour de sa mort.

Au cœur de l’industrie cinématographique contemporaine, certains réalisateurs sont parvenus à se créer de véritables noms en ne signant pourtant que des œuvres destinées au marché de la vidéo : les fameux « DTV » ou Direct-To-Video qui ont fait les grandes heures des vidéo-clubs en leur temps, et que les gens s’arrachent de nos jours en Blu-ray, DVD ou VOD. On pense par exemple à des cinéastes tels que Isaac Florentine ou Roel Reiné dans le domaine du film d’action, ou à des réalisateurs tels que Ti West, Jim Mickle ou encore Rob Zombie, dont le gros de l’œuvre n’a jamais connu non plus le frisson des salles obscures…

Quelques années après Toute première fois, les duettistes Maxime Govare et Noémie Saglio reviennent à la comédie populaire avec Daddy cool. Efficace et souvent drôle, malgré un certain manque d’originalité dans ses thématiques et dans le traitement de son intrigue, le film parviendra sans peine à s’imposer comme un attachant « feel good movie » à la française, porté par le talent de Vincent Elbaz. Grandiose dans le rôle de cet ado attardé refusant obstinément de « grandir » (dans le sens que lui donne la société contemporaine), Vincent Elbaz retrouve grosso modo le même rôle que dans Tellement proches, le chef d’œuvre d’Olivier Nakache et Éric Toledano, et impose une fougue, un dynamisme et un sens de la punchline qui en font, assurément, l’un des plus grands acteurs français de comédie.

Contre toute attente, il existe une excellente raison de se plonger dans le visionnage d’Escale à trois. En effet, le film a à son actif un élément quasi-imparable qui le distinguera du tout venant de la comédie trash américaine, et devrait logiquement attirer l’œil et l’attention de nombreux cinéphiles.

Zombillénium s’impose omme un divertissement rythmé et coloré, non dénué d’intelligence, et terriblement attendrissant. Une œuvre pop, bonne surprise française dans le monde très américanisé du cinéma d’animation.

Le principal intérêt de L’un dans l’autre, qui fait le choix d’échanger les corps de Stéphane De Groodt et Louise Bourgoin, réside bel et bien dans cet exercice périlleux. La plume de Bruno Chiche ne révolutionne en rien le genre, et la comédie gentillette sera au final essentiellement portée par le cabotinage de ses deux acteurs principaux, qui en font volontiers des caisses mais semblent bien s’amuser à faire « le mec » ou « la fille », avec tout ce que cela peut présupposer de clichés. Stéphane De Groodt et Louise Bourgoin sont d’ailleurs beaucoup plus à l’aise dans les scènes mettant en scène ces personnalités « inversées », qui leur permettent de laisser libre cours à leur fantaisie naturelle, que durant les passages où ils sont eux-mêmes, au cours desquels ils manquent souvent cruellement de justesse dans leur jeu. C’est d’autant plus flagrant que le film leur oppose deux seconds rôles de poids avec Pierre-François Martin Laval et Aure Atika, tous deux excellents et particulièrement convaincants, que cela soit dans la comédie ou dans l’émotion.

L’intérêt premier de Barry Seal : American Traffic réside dans son histoire totalement hallucinante. Honoré par la mention « ceci est une histoire vraie » le long métrage met en avant une arnaque renversante et démontre comment un individu seul peut s’affranchir de son pays et de son gouvernement pour faire fortune. Le personnage de Barry Seal est attachant et gagne sa croûte sur le dos de son gouvernement. Un Robin des bois qui garde tout pour lui en somme. Sans prendre en compte les conséquences morales, Barry Seal ne pense qu’à s’en mettre plein les poches.

Au fil des années et des films, la fougue et la « passion » qui animaient la critique et le public à la découverte des œuvres de Sofia Coppola s'est peu à peu tarie, laissant de plus en plus place à un intérêt distant, une indifférence polie. Si l’annonce de chacun de ses nouveaux films suscite immanquablement un léger regain de fougue, la découverte de ceux-ci finit toujours un peu par décevoir, comme si on en voulait un peu à la cinéaste de ne pas nous livrer à chaque long-métrage une œuvre de la force de son premier (et meilleur) film, The virgin suicides.

Atomic Blonde est avant tout un film d’espionnage, porté par son atmosphère berlinoise de fin de Guerre Froide. Il faut dire que, se situant juste avant la chute du mur de Berlin, ce n’est pas les protagonistes qui manquent : Américains, Russes, Allemands de l’Est, Anglais, Français, tous répondent à l’appel. Un peu trop d’ailleurs, puisque le récit se fait parfois un peu brouillon et inutilement alambiqué.