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Scénariste et réalisateur américain, Abraham Polonsky aura sans doute d'avantage marqué les mémoires pour avoir été victime du Maccarthysme (il fut inscrit durant de longues années sur la liste noire de Hollywood) que pour sa filmographie en tant que réalisateur, qui ne compte finalement que trois longs-métrages : L'enfer de la corruption (1948), Willie Boy (1969) et Le voleur de chevaux (1971). Entre ses deux premiers films, un creux de 21 ans l'ayant éloigné des plateaux et forcé à travailler sous pseudonyme sur des scénarios remarquables, tels que celui du Coup de l’escalier de Robert Wise.

Le destin est au tournant a contribué à révéler au monde le talent de Richard Quine et Blake Edwards, qui avaient déjà collaboré sur un certain nombre de films plus légers auparavant, mais dont les efforts conjoints dénotaient ici d'une ambition bien supérieure. L'intrigue du film, d'une simplicité trompeuse, se concentre sur un homme timide, introverti et solitaire, Eddie Shannon (Mickey Rooney), qui travaille dans un garage de Los Angeles en tant que mécanicien, un travail lié à son amour des voitures, unique domaine au cœur duquel il fait preuve d'une maîtrise – en tant que mécano autant qu'en tant que pilote. Rêvant d'une carrière dans le monde de la course, le personnage nourrit en quelque sorte son extrême solitude, qui feront de lui une proie facile pour la Femme Fatale du film, Barbara Mathews (Dianne Foster), qui complote avec deux truands, Steve et Harold, interprétés par Kevin McCarthy et Jack Kelly, afin de dévaliser une banque de Palm Springs. Bien sûr, le rôle de Barbara est de piéger Eddie afin que le trio puisse profiter de ses talents de chauffeur...

Sorti à l'été 1946, L'ange noir est un des derniers films de Roy William Neill, disparu en décembre de la même année. Si son rayonnement auprès des cinéphiles n'est décidément plus ce qu'il était (il est en effet surtout connu pour avoir réalisé une longue série de Sherlock Holmes avec Basil Rathbone), la ressortie de L'ange noir en DVD remet un petit coup de projecteur sur sa (prolifique) carrière, tout autant qu'un petit coup de polish à sa renommée.

Le titre français de Dark city, le Film Noir mis en scène par William Dieterle en 1950, est assez étonnant : La main qui venge. Derrière ce titre aux limites de la parodie – difficile de ne pas penser à La main qui tue (1999), ou à dresser des passerelles avec des récits où des mains prennent leur « indépendance », à la façon de la chose dans La famille Addams (1991), de la main baladeuse au centre de J'ai perdu mon corps (2019), ou encore de la nouvelle de Clive Barker « Le corps politique », qui serait adaptée au cinéma par Mick Garris dans le film Quicksilver highway (1997). Or, comme vous vous en doutez, il n'y a absolument aucune dimension fantastique au cœur de La main qui venge, et le spectateur passera un bon tiers du film à se demander pourquoi diable les distributeurs français ont opté pour un titre aussi fantaisiste. S'agirait-il d'une « main » de poker dont on parle ici, les parties de cartes clandestines étant au centre de la première partie du film ?

Outre le plaisir de retrouver James Cagney dans la peau d'un gangster, le fait de voir ou de revoir Le fauve en liberté aujourd'hui – soit 70 ans après sa sortie dans les salles obscures – permettra au spectateur contemporain de constater à quel point les concepts de modernité ou même d'originalité ne sont, finalement, que des vues de l'esprit. Personne n'invente rien, tout a déjà été fait, et le cinéma n'est qu'un éternel recommencement. Le film de Gordon Douglas met donc en scène un parfait psychopathe, ouvertement manipulateur, pour qui la vie, la mort, l'amitié ou même l'amour ne sont que des mots vides de sens. Mais finalement, on comprendrait presque le comportement antisocial du personnage de Ralph Cotter (Cagney) : le monde autour de lui semble tout aussi pourri ; tous les personnages sont en effet présentés comme des salauds, des arrivistes ou des hors-la-loi. Truands, avocats, bonnes femmes, flics : tous véreux, tous dans le même panier. Alors bien sûr, Cotter lui prend le taureau par les cornes, prend de force tout ce dont il a envie (femmes, argent), et le plus vite est le mieux. Pour arriver à ses fins, il n'hésite pas à tuer tous ceux qui se mettront en travers de sa route, qu'ils soient amis ou ennemis, aucun code d'honneur ni morale ne sont de rigueur.

1950 fut définitivement un grand cru pour Rudolph Maté : c’est en effet cette même année qu’il réaliserait à la fois l’excellent Mort à l’arrivée (un des plus grands classiques du Film Noir) et le non moins époustouflant Midi gare centrale, qui vient tout juste de sortir en DVD sous les couleurs de Sidonis Calysta.

Si on a un peu tendance à l’oublier de nos jours, John Carpenter n’est pas UNIQUEMENT un réalisateur de génie, mais un artiste complet dont le talent s’est exprimé dans d’autres domaines, tels que la musique bien sûr. Et s’il signait le plus souvent lui-même les scénarios de ses films, il lui est également arrivé, à l’occasion, d’écrire des scripts destinés à d’autres cinéastes. Ce fut le cas au cinéma pour Sans issue (Black moon rising, 1986) mais également pour Les yeux de Laura Mars, mis en scène par Irvin Kershner en 1978.

Le succès international de La guerre des étoiles en 1977 a ouvert grand les portes à un certain cinéma de « l’imaginaire », qui bénéficierait dorénavant de moyens conséquents afin de séduire des générations de jeunes gens biberonnés aux comics et à la science-fiction depuis les années 50. Tous les grands studios se lanceraient donc dès lors dans la grande aventure du space opera ou de l’heroic fantasy, avec des films tels que Le seigneur des anneaux (Ralph Bakshi, 1978), Le trou noir (Gary Nelson, 1979), Flash Gordon (Mike Hodges, 1980), Le dragon du lac de feu (Matthew Robbins, 1981), Dark crystal (Jim Henson / Frank Oz, 1982), Conan le barbare (John Milius, 1982) ou encore L'épée sauvage (Albert Pyun, 1982)…

Si sa nature de chef d’œuvre a pu être contestée à l’époque de sa sortie par une critique profondément teintée d’idéologie et de « politique des auteurs », le temps a largement contribué à rendre ses lettres de noblesse au film de Fred Zinneman. Aujourd’hui quasi-unanimement considéré comme un grand film, profond et nuancé, Le train sifflera trois fois réussit le tour de force de proposer un sous-texte ouvertement politique (le parallèle avec le Maccarthysme), sans pour autant que ce deuxième niveau de lecture s’avère – comme trop souvent malheureusement – essentiel afin d’apprécier l’œuvre à sa juste valeur. Il semble en effet que l’on puisse passer tout à fait à côté de l’aspect « chasse aux sorcières » du récit et juste apprécier le film pour ce qu’il est : l’histoire tendue – l’utilisation du « temps réel » y est assurément pour quelque-chose – d’un homme las se décidant à affronter son destin, arrivant sous la forme d’un groupe de truands par le train de midi. Cherchant en vain à recruter un groupe d’hommes afin de l’épauler, le personnage de Kane campé par Gary Cooper permettra au film de dresser une belle parabole sur le comportement humain, et plus précisément sur le courage d’un seul s’opposant à l’immonde lâcheté de tous les autres.

Mettant en scène deux mercenaires aux personnalités antagonistes, amoraux mais ô combien sympathiques et drôles, Les baroudeurs est un film d’aventures tirant ses influences des Douze salopards, mais également, comme le souligne avec justesse Patrick Brion dans les bonus du Blu-ray, de Vera Cruz dont il constitue un quasi-remake officieux.

Robert Aldrich à la réalisation, Dalton Trumbo au scénario, Kirk Douglas et Rock Hudson en têtes d’affiche… Sur le papier, El perdido vendait du rêve. Et tous les amateurs de westerns l’affirmeront en cœur : le film ne sera pas à la hauteur de nos folles espérances, peut-être en partie à cause d’un tournage houleux, devenu la scène de la confrontation entre deux personnalités fortes. Les violents conflits entre Kirk Douglas et Robert Aldrich ayant émaillé le tournage sont en effet entrés dans la légende, au point d’en devenir au fil des années peut-être même plus connus que le film lui-même.

Inspiré de l’histoire de Frank J. Wilson, le comptable et agent fédéral qui a fait tomber Al Capone, Le maître du gang est un film policier d’un genre assez nouveau, un hommage aux flics « de l’ombre », refusant la description héroïque et les arrestations filmées comme autant d’actes de bravoure après la poursuite effrénée ou la scène d’action spectaculaire de rigueur. Ici, le choix est fait d’immerger le spectateur aux côtés d’un groupe d’agents fédéraux travaillant telles des fourmis dans leur bureau, passant un temps infini à éplucher des livres de comptes afin de pouvoir coincer des truands régnant littéralement sur Chicago en toute impunité.