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City of Darkness est l'adaptation du manhua éponyme d’Andy Seto, lui-même adapté d’un roman de Yuyi. En développement depuis les années 2000, le projet est d’abord passé entre les mains de John Woo et Johnnie To, puis de Derek Kwok et Donnie Yen, avant d'être à nouveau annoncé en 2021, avec Soi Cheang à la réalisation.

Avec ses 86 printemps au compteur, Clint l’éternel continue, tel Woody Allen, d’enchaîner les films avec une régularité métronomique. Si, depuis le génial Gran Torino, le niveau général s’est fait plus inégal, il continue de pratiquer un cinéma à l’ancienne, élégant et racé, avec l’assurance d’un vieux briscard du cinéma à qui on ne la fait plus. Le film présent, par ses thématiques et son élégance formelle, peut sans problème prétendre faire partie de ses bons crus, tant il déroule son histoire somme toute classique et très Américaine, avec un sens du récit et de la direction d’acteurs emportant immédiatement l’adhésion.

David Gordon Green est un cinéaste singulier, dont la carrière est partagée entre les films indépendants (George Washington, L'autre rive...) et les comédies complètement déjantées (Délire express, Votre majesté...). Au milieu de ces genres diamétralement opposés réside son amour du cinéma, son envie de raconter des histoires. Mais qu'il nous parle à l'oreille ou nous tape dans le dos dans le but de nous faire marrer, le cinéma de David Gordon Green possède une constante : une certaine « lourdeur ».

Le film de Lukas Dhont reste en permanence aux côtés de son personnage principal, une future ballerine qui éprouve de plus en plus de mal à concilier ses exigences artistiques et le prix à payer pour se débarrasser de ses attributs masculins.

Cinéaste indépendant incontournable dans les années 90, au même titre qu’un Hal Hartley par exemple, Atom Egoyan avait eu quelques difficultés à aborder le tournant du nouveau millénaire, et peinait un peu dernièrement à trouver des projets capables d'autant marquer le spectateur -émotionnellement parlant- que ses films antérieurs à 2000. Mais ce désamour progressif -et un peu injuste- de la part du public cessera peut-être dans un proche avenir, puisqu'avec Captives, le cinéaste canadien nous offre un nouveau thriller tout à fait passionnant.

Bienvenue à l’Hôtel Transylvanie, le somptueux hôtel de Dracula, où les monstres et leurs familles peuvent enfin vivre leur vie, se détendre et faire « monstrueusement » la fête comme ils en ont envie sans être embêtés par les humains. Pour l’anniversaire de sa fille, la jeune Mavis, qui fête ses 118 printemps, Dracula invite les plus célèbres monstres du monde – Frankenstein et sa femme, la Momie, l’Homme Invisible, une famille de loups-garous, et bien d’autres encore… Tout se passe très bien, jusqu’à ce qu’un humain débarque par hasard à l’hôtel et se lie d’amitié avec Mavis…

Arpentant les bas fonds de la misère madrilène, hantant les bars à la petite semaine et les dancings miteux, le script signé Urbizu et Michel Gaztambide s'inscrit dans une veine contemporaine du polar hardcore, quelque part entre Driller killer et l’indien Ugly

Vicky, danseuse, et Julian, compositeur, sont engagés dans une troupe de ballet. Tyrannique, le directeur pousse Vicky à s'identifier à l'héroïne du ballet "Les Chaussons rouges". Elle y sacrifie tout, même son amour pour Julien.

Renoncer à l’intime / Renoncer à soi-même : c’est un des thèmes principaux de Silence, le dernier film réalisé par Martin Scorsese. Quelle est la vérité sur nous-mêmes ? Quelle est notre réalité ? Quand le miroir se casse en mille morceaux, chacun peut en prendre un bout pour s’y voir reflété et croire qu’il détient LA vérité absolue alors qu’en fait, on ne tient plus qu’au creux de la main un morceau d’un miroir disparu. Dans un de ses contes, Borges se mettait dans les chaussures d’un nazi qui allait mourir : « Je regarde mon visage dans le miroir pour savoir qui je suis, pour savoir comment je me porterai dans quelques heures, quand je ferai face à la fin. Ma chair peut-être effrayée, pas moi

De ce film, austère et beau et dont l'action se déroule il y a 20 siècles, on retiendra deux plaidoyers très contemporains : le premier concerne tous les animaux et pas seulement les hommes et les femmes,« aucun être vivant ne mérite d'être mis en cage, pas même les poules », l'autre le danger que représente une lecture au premier degré de textes religieux écrits il y a de nombreux siècles, dans un contexte totalement différent.

Découvert avec le film de science-fiction Primer en 2009, Shane Carruth avait mis quelques années à écrire, financer et réaliser son deuxième projet, Upstream Color, qui commencerait à sillonner les festivals à travers le monde dès le début de l'année 2013 : Sundance, Berlin, Sydney, Deauville, Athènes, Sitges… Et beaucoup d'autres. Les nominations pleuvent au fur et à mesure que le film traverse le monde, les prix tombent également régulièrement, Carruth l'homme à tout faire étant parfois cité dans plusieurs catégories : il faut dire aussi qu'en plus du scénario et de la réalisation de son film, il en signait également la musique, le montage et la photo tout en portant également les casquettes de cameraman et d'acteur.

Hana et Alice mènent l’enquête ne cache cependant pas longtemps sa véritable nature : celle d’un récit de coming of age prenant la forme d’une flânerie entre deux jeunes filles s’ouvrant leur cœur et se découvrant l’une l’autre.