Tag: Version restaurée par Pathé

Ambiance fantastique fortement teintée de surréalisme pour Entr'acte (23 minutes) et Paris qui dort (59 minutes), qui marquent en 1924 les premiers pas derrière la caméra pour René Clair. Deux films muets à redécouvrir de toute urgence...

Avant d'aborder le film en lui-même, il convient d'évacuer d'entrée de jeu les éventuelles craintes que vous aurez pu ressentir à la lecture du synopsis : Le silence est d'or met en scène un triangle amoureux qui, chez un autre cinéaste que René Clair, aurait pu donner naissance au mélo le plus sirupeux qui soit. Rassurez-vous : craindre les excès dans le pathos ou la guimauve reviendrait à oublier la fantaisie naturelle du cinéaste français, qui nous propose ici une brillante relecture de « L'école des femmes » de Molière, transposée à l'époque des débuts du cinéma.

Sorti sur les écrans français en 1935, Le dernier milliardaire ne s'impose pas, à proprement parler, tout à fait comme une « réponse française » à La soupe au canard des Marx Brothers tourné l’année précédente : malgré des similitudes que le cinéphile ne pourra certainement pas manquer, les deux films jouent dans des cours un peu différentes, l'humour de René Clair étant finalement très éloigné de l'absurde hystérique, de la frénésie non-sensique du film des frères Marx. Cela dit, avec son intrigue se déroulant dans un royaume imaginaire complètement farfelu, Le dernier milliardaire permet tout de même à René Clair de laisser libre cours à toute sa fantaisie, tout en tirant à boulets rouges sur les dérives du système capitaliste et sur la notion « d’impérialisme » économique, qui serait largement discutée et remise en question durant la deuxième moitié du vingtième siècle. Le monde de la politique et de ses fantoches abrutis toujours prêts à s'incliner devant le pouvoir financier est croqué avec férocité, jusqu'à un final en forme de pirouette inattendue.

125 rue Montmartre est un récit de machination, qui invitera le spectateur à se plonger dans les arcanes d’un mystère tout droit issu d’un roman policier – littéralement parlant d’ailleurs, puisque le film de Gilles Grangier est adapté du roman éponyme d’André Gillois, publié chez Hachette en 1958. Malgré la belle collection affichée dans l’appartement de Dora Doll dans le film, le roman d’origine ne faisait pas partie de la fameuse « Série Noire » de chez Gallimard – mais il en est un cousin pas très éloigné, de la même façon que le film de 1959 s’avère forcément à sa manière un peu cousin du Film Noir américain. Les clins d’yeux aux U.S.A. sont d’ailleurs assez explicites dans le film de Grangier, avec le personnage de Lino Ventura arborant une belle paire de Converse, le commissaire et sa cartouche de Chesterfield…

Alors que Gaumont a mis en boite en 2017 une nouvelle adaptation d’Un sac de billes devant la caméra de Christian Duguay, Pathé nous propose aujourd’hui de redécouvrir la vision de Jacques Doillon du roman autobiographique de Joseph Joffo, racontant la fuite en avant de deux jeunes garçons au cœur de la France occupée de 1942.

Adapté d'une pièce de théâtre d'Alfred Uhry ayant obtenu le prestigieux Prix Pulitzer en 1987, Miss Daisy et son chauffeur a également remporté une pluie de récompenses en 1990 : quatre Oscars dont ceux du meilleur film et de la meilleure actrice, trois Golden Globes, un Bafta, un Ours d'Argent à Berlin... Entre autres que l'on n'aurait pas la place de tous citer ici. Il faut dire aussi que l'attachant film de Bruce Beresford était, de par sa thématique et par les bons sentiments qu'il développe, le parfait aimant à récompenses à travers le monde.

Il y a quelques mois, Pathé avait étonné la petite communauté de cinéphiles français friands de découvertes en Blu-ray en ressortant de l’oubli Premier de cordée, tourné par Louis Daquin en 1944, qui s’avérait un curieux mélange de fiction et de documentaire, et s’imposait avant tout comme une déclaration d’amour à la montagne, majestueuse, sublime… mais surtout très dangereuse. Nouvelle stupéfaction dans les rangs des cinéphiles en ce début du mois de novembre : Pathé a remis ça, nous proposant de (re)découvrir Au grand balcon, film de patrimoine tourné par Henri Decoin en 1949, à vrai dire complètement oublié de nos jours, et dont la particularité est d’être un vibrant hommage aux pionniers de l’aéropostale dans les années 20…

On pense souvent que la tradition française du « film de gosses », qui exploserait en France avec le grand succès populaire de La guerre des boutons (Yves Robert, 1962), est né de la plume fine et poétique de Jacques Prévert et de ses fameux Disparus de Saint-Agil (Christian-Jaque, 1938). En y regardant de plus près, on pourra néanmoins supposer que l’inspiration de Prévert et Christian-Jaque venait du succès outre-Atlantique des Petites canailles, une série de courts films créée par le producteur Hal Roach, produits et diffusés entre 1922 et 1944 aux Etats-Unis. Comme son titre l’indique, la série suivait bien sûr les tribulations d’une petite bande d’enfants farceurs et indisciplinés. Les français découvriraient par la suite Les petites canailles à la télévision en 1962, année de sortie de La guerre des boutons ; il y a également de fortes chances pour que les quarantenaires d’aujourd’hui connaissent également la série, puisqu’elle fut diffusée à partir de 1984 dans Récré A2, parallèlement à la série animée de chez Hanna-Barbera mettant en scène la même bande de petits galopins.

Avec le recul, il y a fort à parier pour que la renommée de Claude Sautet ait largement bénéficié de ses nombreuses collaborations avec l’actrice Romy Schneider. Si Une histoire simple n’est certes pas le plus connu parmi les cinq films qu’ils ont tourné ensemble (on pense en effet plus facilement aux Choses de la vie ou à Max et les ferrailleurs), leur dernier film en commun était tout de même parvenu à réunir 2,3 millions de spectateurs dans les salles françaises : plus de deux millions de fidèles acquis au style du cinéaste et impatients de retrouver son univers si caractéristique.

Et si on vous disait que l’ancêtre (certes lointain) de films à grand spectacle tels que Everest ou Vertical limit prenait son origine dans un petit film français aujourd’hui largement oublié, vous y croiriez, vous ? Et pourtant, force est de constater que Premier de cordée, réalisé par Louis Daquin en 1944, fait partie de ces films entièrement construits autour d’un seul élément : la montagne, majestueuse, sublime… Mais surtout très dangereuse ! On le sait bien, car on nous l’a répété durant des années à grands renforts de publicité : la montagne, ça vous gagne. Mais la montagne, c’est aussi des dizaines de morts par an, alors c’est bien joli les neiges éternelles, mais faudrait voir à s’en méfier…

Encore assez méconnus de nos jours, malgré de fracassants succès populaires dans les salles des années 50/60, les films de la saga « Lemmy Caution » se résument le plus souvent, dans l’esprit des cinéphiles, à un Alphaville signé Jean-Luc Godard, et finalement assez éloigné de l’esprit original de la franchise. Créé par Peter Cheyney dans les années 30, le personnage de Lemmy Caution s’est vu popularisé en France par la fameuse « Série Noire » de chez Gallimard : les deux premiers livres de l’illustre collection de polars étaient deux romans de Cheyney mettant en scène le fameux agent du FBI. Moins de dix ans après la publication du premier livre en France, Lemmy Caution connaitrait l’insigne honneur d’être adapté au cinéma, dans La môme vert de gris de Bernard Borderie (1953). C’est Eddie Constantine qui prêterait ses traits au détective / agent / espion / tombeur de ces dames et dur à cuire, pour le plus grand plaisir du public, puisque La môme vert de gris connut un immense succès à sa sortie.

Adapté du roman « Les mystifiés » d'Alain Reynaud-Fourton (publié chez Gallimard dans la fameuse collection Série Noire, n° 717), Symphonie pour un massacre s'impose rapidement comme un thriller très noir, dont les influences majeures vont chercher du côté du « Film Noir » américain. Déployant une intrigue implacable, suivant une ligne directrice claire, le troisième long-métrage de Jacques Deray tourne autour d'une série de personnages de truands, semblant tous uniquement motivés par l’appât du gain et de savoir qui s'en mettra le plus dans les fouilles. Dès les premières séquences, qui mettent en scène José Giovanni et Charles Vanel, le ton est en effet donné : l'argent est considéré comme un moteur pour cette improbable gang de malfrats.