Les 25 meilleurs Tom Hanks films 

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Tom Hanks est l’un des acteurs les plus reconnaissables de notre époque. En 1980, Tom Hanks a fait sa première apparition dans le duo de la sitcom Bosom Buddies aux côtés du regretté Peter Scolari. Bien que son charme soit déjà évident, il était loin d’être évident qu’il deviendrait un jour l’une des stars de cinéma les plus populaires et les plus aimées d’Amérique. 

Il a également participé à de nombreux projets avec des sommités telles que Steven Spielberg, Nora Ephron, Robert Zemeckis, Penny Marshall et Paul Greengrass, jouant dans des comédies et des drames de guerre épiques. Il a prêté sa voix à l’un des personnages animés les plus emblématiques de tous les temps, un petit cow-boy à cordes nommé Woody. 

Il a voyagé dans l’espace, combattu des pirates et survécu à une île déserte dans les 53 rôles principaux qu’il a joués à ce jour, devenant ainsi le père de l’Amérique. L’auteur Catherine Morel de fr-casino-spot a compilé une sélection des 25 meilleurs films avec Tom Hanks. La liste est présentée dans un format allant du moins populaire, au plus populaire par le nombre d’évaluations sur senscritique.com. Commençons notre liste.

25. Ladykillers

Mme Marva Munson, une veuve âgée, stricte et religieuse, rencontre le « Professeur » Goldthwaite Higginson Dorr, un professeur de lettres classiques, qui s’intéresse à la chambre qu’elle loue et demande à utiliser sa cave pour les répétitions d’un ensemble de musique ancienne qu’il dirige. Ce qu’elle accepte. Les collègues musiciens de l’ensemble présumé sont en fait une bande de hors-la-loi. Le groupe se compose d’un joueur de football faible nommé Com, qui est leur « homme musclé », d’un spécialiste des effets spéciaux arrogant nommé Garth Pancake, qui est leur « homme à tout faire » (et qui souffre du syndrome de l’intestin irritable), de Gawain McSam, qui est leur « homme de l’intérieur », et d’un général vietnamien, dur à cuire, qui est leur « expert en tunnels ». Un groupe de criminels projette de creuser un tunnel à travers un mur nu du sous-sol pour s’infiltrer dans la chambre forte souterraine d’un casino riverain voisin et le dévaliser . Ladykillers est similaire au film Ocean’s 11. On y retrouve la même note d’excitation des protagonistes qui sont aveuglés par le rêve de dévaliser un casino. Ladykillers, comme beaucoup d’autres films, a trouvé son public parmi ceux qui aiment les thèmes de casino. Pour les spectateurs qui ne sont pas familiers avec les jeux d’argent, nous recommandons aux Archives des avis sur les casinos en ligne. Vous y trouverez des informations utiles sur les en ligne jeux d’argent en ligne. Et mettez-vous à l’épreuve, comme dans le film Casino de Martin Scorsese, dans le confort de votre propre maison.

24. Sully

Le nouveau film de Clint Eastwood, Sully, est un récit méticuleux des actions de Chelsey « Sully » Sullenberger (Tom Hanks), plus connu comme le pilote qui a sauvé la vie de tout un avion de ligne le 15 janvier 2009 en atterrissant miraculeusement dans l’Hudson. Histoire héroïque sans ambiguïté mettant en scène l’une des stars de cinéma les plus sympathiques au monde, Sully pourrait facilement être considéré comme un geste préventif pour la carrière d’Eastwood après les controverses liées au blanchiment biographique d’American Sniper. Pourtant, l’aspect le plus radical de Sully est son désintérêt apparent pour la présentation de cette histoire comme un thriller. Commençant par une séquence de rêve étouffante, l’ouverture de Sully dément ses intentions. Une meilleure synthèse vient quelques minutes plus tard, lorsque Sully corrige un fonctionnaire qui qualifie l’incident de « crash ». « C’était un atterrissage forcé sur l’eau », dit-il avec assurance dans une ligne de dialogue qui serait arrogante de la part de n’importe quel autre acteur, mais qui semble se rapprocher de Hanks. En d’autres termes, en imitant l’harmonie des événements réels, il s’agit d’un film anti-catastrophe. 

23. Splash

Vous connaissez ces moments où vous découvrez inopinément que vous avez croisé le chemin d’une sirène et où vous vous demandez si cette expérience de mort imminente que vous pensiez avoir eue à Cape Cod quand vous étiez enfant n’était pas quelque chose de plus profond et de plus étrange ? Ça ! L’un des premiers films à émaner de la nouvelle marque Touchstone de Disney (PG pour langage légèrement vulgaire ?!), cette comédie douce et chaleureuse, réalisée par Ron Howard, met en vedette Tom Hanks dans le rôle d’un grossiste en fruits et légumes solitaire et Darryl Hannah dans celui de la petite sirène pas si petite que ça qui le sauve. De la noyade. Au sens propre, puis au sens figuré. Allez, les gars : une métaphore ! Outre le fait qu’il a popularisé le nom « Madison » pour les filles, le film a été un succès au box-office et auprès de la critique pour sa douceur à l’ancienne et pour les excellentes performances de Hanks et Hannah, ainsi que pour les classiques John Candy et Eugene Levy. Ron Howard a un don naturel pour l’école de la comédie et ce film est une véritable source de bien-être. 

22. Le chemin de la perdition

Comme il l’a fait dans American Beauty, Sam Mendes crée ici une autre grande tragédie. Adapté du roman graphique du même nom, Les chemins de la perdition raconte l’histoire captivante d’un père et de son fils, gangster et futur gangster. Leur relation est chaleureuse, mais son issue s’avère froide, ce que Mendes met en évidence grâce à une cinématographie magnifiquement sombre. Dans ce film sous-estimé sur la dynamique d’une famille de mafieux, Mendes fait ce qu’il fait de mieux en se concentrant sur la famille et les relations au sein de celle-ci lorsqu’un fils voit accidentellement la noirceur de son père mafieux. Tom Hanks et Jude Law sont excellents dans leurs rares performances sombres, mais Paul Newman est exceptionnel dans son dernier rôle au cinéma, celui d’un mafieux professionnel accompli qui se demande ce qu’il va faire à son protégé (Hanks) après que ce dernier l’a quitté. Le Paul Newman de L’arnaqueur et de Luke la main froide, qui n’a pas froid aux yeux, livre un combat final époustouflant avant de s’éteindre pour de bon. Sous une pluie battante, grâce à l’objectif du réalisateur Conrad Hall, le personnage de Newman attend stoïquement la rafale de balles qui est sur le point de le transpercer, capturant parfaitement l’aura que Newman a cultivée tout au long de sa carrière. 

21. Vous avez un message

Certains films sont de purs témoignages du pouvoir des personnages attachants et d’une chimie crédible à l’écran, et You’ve Got Mail de Nora Ephron en est un excellent exemple. Peu surprenant sur le plan dramatique et peu remarquable sur le plan artistique, ce film vous attire néanmoins par sa dynamique amant-rival digne de Jane Austen et sa gentillesse générale. La troisième comédie romantique à laquelle ont collaboré Tom Hanks et Meg Ryan (et la performance la moins affectée de Ryan dans le trio) raconte l’histoire de l’accouplement improbable (mais inévitable) entre la propriétaire d’une librairie indépendante et le magnat à la tête de la méga-librairie qui menace de la mettre en faillite. Dans la vie réelle, ils ne peuvent pas se supporter, mais dans un salon de discussion anonyme, ils s’entendent bien et même plus. 

20. That Thing You Do

Un regard affectueusement brutal, stupide et étrange sur la célébrité et l’industrie du spectacle, l’histoire, dans les années 60, des one-hit Wonders et de leur manager au cœur d’or (Tom Hanks, qui fait également ses débuts de réalisateur) est un film charmant. That Thing You Do est aussi faussement pointu et sucré que sa chanson pop centrale enrobée de bonbons, avec un pincement au cœur étrange qui complète la comédie aux yeux écarquillés de ses jeunes acteurs. 

19. Histoire de jouets 3

Vers la fin du film Toy Story 2 de 1999, le méchant Stinky Pete demande à Woody le cow-boy ce qu’il fera quand Andy, leur propriétaire, grandira et ne voudra plus de ses jouets. À l’époque, Woody n’avait pas de réponse précise à donner au prospecteur fourbe. Et l’équipe de Pixar aurait pu en rester là – se terminer sur une image optimiste des jouets convenant mutuellement qu’ils ne peuvent pas empêcher Andy de grandir, mais qu’ils peuvent profiter du temps qu’il leur reste. Au lieu de cela, 11 ans plus tard, John Lasseter et ses collaborateurs ont réalisé un film entier explorant cette question exacte. Avec des éclats de rire (M. Potato Head en tortilla de farine) et des scènes dramatiques d’une intensité discutable (les jouets sont descendus dans un puits de la mort), cette troisième aventure de Toy Story a été considérée comme un succès sans équivoque. L’histoire du film n’est pas terriblement originale, reprenant presque mot pour mot l’intrigue de l’évasion du deuxième film. Pourtant, pour tous les spectateurs qui ont grandi avec Woody, Buzz et la bande, tout tourne autour de ces cinq dernières minutes, lorsque Andy, qui va à l’université, joue avec les jouets de son enfance pour la dernière fois. C’est le film qui vous fera croire qu’un adolescent blasé peut pleurer. 

18. Forrest Gump

Peu de films ont infiltré la psyché collective américaine comme Forrest Gump l’a fait. Vous avez sans doute entendu quelqu’un faire référence à ce classique de 1994, qu’il s’agisse d’un camarade de classe criant sarcastiquement « Cours, Forrest, cours ! » alors que vous vous dépêchiez d’attraper le bus, ou de quelqu’un sortant son plus bel accent pour dire « Momma a toujours dit que la vie est comme une boîte de chocolats ». Tout le film est rempli de dialogues à la fois émouvants et drôles (mes préférés sont « Mais lieutenant Dan, vous n’avez pas de jambes » et « Je suis désolé de m’être battu à votre fête des Black Panthers »). Forrest est peut-être un homme simple, mais son histoire est celle de notre nation, et nous sommes tous soumis à l’épreuve de l’émotion en le voyant fréquenter Elvis et John Lennon, se battre au Vietnam et affronter de nombreuses manifestations civiques, tout en poursuivant son grand amour, Jenny. 

17. Philadelphie

Philadelphia de Jonathan Demme est l’un de ces films de prestige des années 1990 que l’on ne voit plus guère. Avec un casting de stars de premier ordre et des séquences dramatiques au tribunal, son Philadelphia est beau et diversifié, tourné de façon brillante et expansive (de plus, il touche le jackpot du rock classique avec une musique originale de Bruce Springsteen et Neil Young). Mais Philadelphie a en lui le cœur d’un film d’art et d’essai, et il excelle non seulement dans son traitement délicat du sida, de l’homosexualité et de la mortalité, mais aussi dans son examen réfléchi de l’homophobie, ce que l’on n’aurait pas pu attendre d’un film grand public à l’époque. 

Tom Hanks, dans le rôle d’Andy Bennett, atteint du sida et qui poursuit son employeur (un cabinet d’avocats prestigieux dirigé par un Jason Robards au regard noir) pour licenciement abusif, est, dans la tradition des films à message des années 90, plus ou moins un saint : un avocat brillant et compatissant de la classe moyenne supérieure, avec un partenaire aimant (Antonio Banderas) et une famille nombreuse et compréhensive. Plus complexe est le personnage de Denzel Washington, un « avocat de la télé » qui accepte de prendre l’affaire d’Andy mais qui a du mal à concilier sa propre homophobie, même s’il devient l’ami et le champion de son client. 

16. Nouvelles du monde

Paul Greengrass et son partenaire scénariste Luke Davies ont peut-être adapté le roman western News of the World, écrit par Paulette Jiles en 2016, en tenant compte, au moins en partie, du chemin que les États-Unis n’ont pas parcouru en tant que nation – à l’époque de la publication du livre, des expressions maudites telles que « fake news » et « faits alternatifs » ont été introduites dans le langage populaire par des fascistes et des escrocs qui tentaient de tromper le peuple américain. Aucun de ces termes, ni leurs cousins tout aussi grotesques, ne se retrouvent dans le film de Greengrass, mais l’esprit qui les a fait naître il y a quatre ans est bien vivant dans sa reconstitution de la frontière américaine. Son héros est le capitaine Jefferson Kyle Kidd (Hanks), un vétéran confédéré de la guerre de Sécession qui, après avoir été du côté des perdants de l’histoire, traverse le Lone Star State en faisant la lecture de journaux étrangers aux habitants à chaque étape de son voyage. Le film ne demande pas vraiment au spectateur d’oublier de quel côté de la guerre Kidd se trouvait : En fait, la vérité de ses anciennes allégeances devient de plus en plus inévitable au fur et à mesure qu’on en parle moins directement. Nous sommes au Texas. Un ancien soldat texan n’aurait pu combattre que d’un seul côté de l’allée. 

News of the World condamne Kidd sans avoir à dire un mot. Mais dès que le film le juge, il lui offre une chance de rédemption sous la forme d’une fille, Johanna (Helena Zengel). Zengel est une étincelle de fraîcheur dans une production par ailleurs démodée, mais démodée est ici un compliment. News of the World n’a aucun intérêt à subvertir ou à actualiser les formules classiques du western : Il se contente de sa fonction de film de studio bien fait, construit ostensiblement autour de Hanks, mais avec beaucoup de place pour que sa jeune star puisse s’imposer. Ce qui modernise le film a plus à voir avec le contexte qu’avec le contenu. 

15. Le pont des espions

Une fois de plus, Steven Spielberg raconte une histoire qui se déroule dans le passé mais qui concerne le présent : En 1957, l’avocat américain Jim Donovan (Tom Hanks) est appelé à défendre l’espion soviétique Rudolf Abel (Mark Rylance) qui est en procès pour sa vie. Bien que cette affaire fasse de lui l’un des hommes les plus méprisés et incompris du pays (sans parler de sa propre maison), Jim Donovan s’y lance avec enthousiasme. Pour lui, le fait de donner à son client une défense appropriée justifie et célèbre les valeurs américaines au lieu de les affaiblir. C’est clairement le point de vue de Spielberg, et le film a quelque chose de superficiellement inspirant : nous sommes invités à être fiers de la position vertueuse de Donovan et à partager sa croyance dans les principes sur lesquels le pays a été construit. Pourtant

14. The Post

The Post commence comme un film de procédure sobre, s’en tenant uniquement aux faits entourant l’obtention par le Washington Post, en 1972, des documents top secrets du Pentagone montrant (sans aucun doute) que la détermination des Américains à gagner la guerre au Vietnam était sévèrement diminuée – l’humeur exactement opposée que l’administration américaine prétendait à l’époque. Cette approche strictement factuelle aurait fait la fierté de réalisateurs comme Gosta Gavras et, oui, Alan J. Pakula. Bien sûr, comme il s’agit d’un film de Steven Spielberg, The Post ne peut s’empêcher d’amener progressivement une forte tension émotionnelle au premier plan, nous amenant momentanément vers une fin assez manipulatrice mais exaltante. Rien de tout cela ne devrait surprendre : « Manipulateur mais exaltant » pourrait bien être la carte de visite du réalisateur. Le fait que The Post ne s’en tienne pas à la volonté de ses prédécesseurs (All the President’s Men, Spotlight) de ne jamais susciter de réactions émotionnelles fortes de la part de son public pourrait être perçu comme une critique claire de ce drame, par ailleurs hermétique, au rythme tendu et doté de certains des meilleurs acteurs de l’année. 

Cependant, nous ne vivons pas une époque subtile. Avec la montée de l’autoritarisme ici aux États-Unis qui repousse sévèrement le premier amendement, déclarant explicitement que la presse libre et ouverte est un ennemi du peuple, les gens ont besoin d’une œuvre d’art populiste avec la subtilité d’un coup de massue sur le visage. C’est pourquoi, en 2017, Spielberg est le réalisateur idéal pour traiter cette histoire. Qui de mieux pour nous réveiller, nous donner la passion et la motivation dont nous avons besoin non seulement pour continuer à nous battre contre une telle tyrannie, mais aussi pour garder un espoir de salut ? Selon les opinions politiques de chacun, The Post pourrait être le film le plus important de l’année, ou un pathétique morceau d’agit-prop de gauche, mais son efficacité à susciter une forte réponse émotionnelle ne peut être niée.

13. Nuit blanche à Seattle

Sleepless in Seattle est essentiellement une lettre d’amour géante au film An Affair to Remember de 1957 de la scénariste et réalisatrice Nora Ephron. Rita Wilson donne un résumé larmoyant mémorable du film, et Annie (Meg Ryan) le regarde avant d’écrire à Sam (Tom Hanks) pour l’inviter à la rencontrer au sommet de l’Empire State Building – comme Cary Grant et Deborah Kerr tentent de le faire dans leur film – le jour de la Saint-Valentin. Lorsqu’ils se rencontrent enfin sur le pont d’observation, le thème d’Une affaire à retenir retentit, créant l’ambiance pour tous ceux qui apprécient les bonnes comédies romantiques.-Bonnie Stiernberg

12. Une belle journée dans le quartier

L’une des meilleures choses à propos de A Beautiful Day in the Neighborhood, c’est qu’il résiste obstinément à ce que vous pensez qu’il va être. Bien sûr, il ne s’agit pas d’un exposé sur Fred Rogers : Dans cette version, il est gentil et pur, mais le film ne s’arrête jamais à cela. La piété facile de la perception publique de M. Rogers, l’idée qu’il suffit d’être gentil et de s’en tenir à cette platitude pour que cela suffise, est rejetée par le film. Rogers lui-même est insaisissable, mystérieux, mais il est aussi palpable et tangible : Il existe dans notre monde physique et rencontre les mêmes difficultés que le reste d’entre nous, il voit la même douleur et les mêmes conflits que tout le monde. En fait, M. Rogers n’est pas le personnage principal de Une belle journée dans le quartier. Le protagoniste est Lloyd Vogel (Matthew Rhys, qui joue une version romancée de l’écrivain Tom Junod), un journaliste de magazine à succès et nouveau père de famille, cynique à l’égard du monde et en proie à la colère de son père alcoolique (Chris Cooper) qui a abandonné sa mère alors qu’elle était en train de mourir d’un cancer. Son rédacteur en chef (la charmante et regrettée Christine Lahti) lui confie un court profil de 400 mots pour l’édition « Heroes » du magazine, celui de Fred Rogers (Tom Hanks, bien sûr), et les deux hommes se rencontrent et parlent. 

On se dit que le film va prendre une direction familière à partir de ce moment-là, le journaliste cynique ayant le cœur réchauffé par la bonté humaine (encore ce mot) de ce héros américain. Et c’est le cas, un peu. Mais le film est plus disposé à se salir les mains que cela. Il veut mettre la main à la pâte. Le film est ancré dans la bonté et la sympathie inhérentes à Hanks dans le rôle de Rogers : il est peut-être trop grand et trop pressant pour vraiment incarner Rogers, mais il saisit le calme de Rogers, ce sentiment de présence totale dans l’instant. Le film ne prétend pas que nous devrions tous être comme M. Rogers, mais que lorsque la tragédie nous frappe, et que la colère nous enveloppe, nous devons nous efforcer de trouver la grâce partout où nous la trouvons. Le film est plus dur, plus rigoureux et plus intéressé par le dur travail de guérison que par les slogans creux. Il est fidèle à l’esprit de M. Rogers sans pour autant le déifier.

11. The Green Mile

Lorsqu’il s’agit de retranscrire fidèlement les drames humanistes dickensiens de King, vous ne pouvez pas vous tromper avec Frank Darabont. « Une autre adaptation de Stephen King qui se déroule dans une prison ? », ont demandé de nombreux fans de Shawshank Redemption en entendant parler de la suite de Darabont. Je me souviens que l’engouement et le scepticisme autour du film étaient au coude à coude dans le zeitgeist culturel jusqu’à la sortie de The Green Mile. De nombreux fans étaient enthousiastes à l’idée que Darabont revienne à ce qu’il savait manifestement faire de mieux, tandis qu’un nombre presque égal de personnes craignaient qu’une répétition d’un matériau similaire ne donne des résultats médiocres. 

The Green Mile n’est pas le chef-d’œuvre que beaucoup espéraient, mais c’est un drame épique solide comme le roc, avec un centre surnaturel sincère. Les éléments magiques, centrés sur un condamné à mort à l’apparence d’un enfant (Michael Clarke Duncan, dans une performance exceptionnelle, RIP) qui a la capacité de guérir les autres d’une simple touche messianique, sont bien sûr ce qui distingue les deux films à première vue. L’approche tonale de The Green Mile est également un peu plus sombre, car elle conduit à un troisième acte plus complexe sur le plan moral, avec une fin qui a frustré certains spectateurs pour cette raison, mais qui a impressionné votre serviteur. 

10. Histoire de jouets 4

Nous étions tous concernés par Toy Story 4. Comment ne pas l’être ? Il s’agit peut-être de la franchise animée la plus appréciée de ces 50 dernières années et, aux yeux de beaucoup, chaque film a été un peu meilleur que le précédent. Le dernier, Toy Story 3, s’est terminé d’une manière si parfaite et si dévastatrice sur le plan émotionnel qu’essayer de lui donner une suite ressemblait à une course folle. Et au cours des neuf années qui ont suivi, Pixar, en tant que société, a changé, devenant plus corporatif, plus axé sur les suites, plus… Disney. Quel soulagement, donc, que Toy Story 4 soit un tel bonheur. Il n’atteint peut-être pas les sommets de Toy Story 3, qui réussit à être un film d’évasion de prison qui se trouve être aussi une profonde dissertation sur le deuil et la mort et qui présente une tortilla surréaliste, mais il est un membre plus que digne de la famille Toy Story. À l’instar de son protagoniste, il ne cherche pas à faire quelque chose de révolutionnaire simplement parce qu’il l’a déjà fait dans le passé, mais plutôt à savoir ce qui va suivre… quelle est la prochaine progression logique. Il trouve la prochaine étape, pour Woody (interprété comme toujours par Tom Hanks dans ce qui, honnêtement, a toujours été l’un de ses meilleurs rôles), et pour la franchise, tout en restant aussi divertissant que vous l’attendez de cette franchise. 

9. Une ligue qui leur est propre

Il va de soi qu’un film sur le baseball féminin pendant la Seconde Guerre mondiale met en vedette un casting exceptionnel de joueuses (Geena Davis, Rosie O’Donnell, Madonna), mais c’est Tom Hanks qui a été le plus en vue. Son interprétation d’un grand joueur de baseball déchu qui tente de regagner le respect (et de se débarrasser de la bouteille) est l’un des meilleurs moments de l’acteur et a contribué à consolider son titre d’acteur le plus sympathique de l’écran américain.

8. Le capitaine Phillips

Captain Phillips prouve que, même si ses imitateurs font plus de mal que de bien, Paul Greengrass lui-même reste le genre de cinéaste que les cinéphiles ont de la chance de côtoyer. Basé sur un incident survenu en 2009 au cours duquel un cargo américain et son capitaine ont été pris en otage par des pirates somaliens, ce film est la meilleure œuvre de Greengrass depuis le drame du 11 septembre 2006, United 93. De plus, c’est le genre de film qui vous fera vous ronger les ongles et retenir votre respiration par pur suspense – et ce, même si vous savez comment s’est déroulée la véritable histoire. Dans Captain Phillips, le personnage titulaire, le capitaine Richard Phillips (Tom Hanks), et son équipage vaquent à leurs occupations quotidiennes, quelque peu monotones. À leur insu, une bande de pirates somaliens dirigée par Muse (Barkhad Abdi, dans une performance révolutionnaire) les observe à quelques kilomètres de là et prépare une attaque. Phillips s’inquiète d’abord lorsqu’il reçoit un courriel l’avertissant de la présence de pirates dans la région. Peu de temps après, il aperçoit l’équipage de Muse qui se dirige vers son navire. Une stratégie défensive échoue, et les pirates se frayent un chemin jusqu’au navire. À partir de là, le film se divise en deux parties distinctes. 

Dans la première, Phillips tente de faire patienter les pirates tandis que son équipage, qui s’est barricadé dans les profondeurs du navire, élabore des plans pour reprendre le contrôle grâce à des pièges et des manœuvres secrètes qui feraient la fierté du Kevin McCallister de Home Alone. Une fois que l’intrigue est vraiment lancée, Hanks disparaît dans son rôle, offrant peut-être sa performance la plus puissante depuis le film Saving Private Ryan de 1998. Grâce à ses prouesses de star de cinéma, Hanks est capable d’incarner la nature autoritaire de Phillips et de vendre avec succès son approche froide de la situation. La majeure partie de la seconde moitié du film est consacrée à ses réactions et interactions avec les pirates, ainsi qu’à son désespoir croissant. L’érosion lente et silencieuse du sang-froid de Phillips s’avère à peine plus angoissante que les scènes à suspense du film. L’arc émotionnel du personnage finit par déboucher sur une scène qui, sans rien dévoiler, est si forte et si crue que l’on ne peut presque plus la regarder, car Hanks confère à ce moment un sens si douloureux de la réalité.

4. Apollo 13

L’un des exploits les plus impressionnants de ce tour de force de Ron Howard est la façon dont il s’est emparé d’une histoire vraie incroyablement bien documentée, dont tout le monde connaît la fin, pour en faire un clouage de bec intensément dramatique, grâce, en partie, à un retraitement du scénario par un John Sayles non crédité. Le film, qui a fait l’objet de recherches méticuleuses et dont l’exactitude est douloureuse, ne s’intéresse jamais autant aux rouages de la science et de la technologie qu’à l’humanité des personnages. Tom Hanks, Ed Harris, Kevin Bacon et Bill Paxton sont tous au

3. Attrape-moi si tu peux

Pour les amateurs de comédies policières des années 60, comme Charade, le film de Stanley Donen, aux rebondissements merveilleux, Catch Me If You Can est une bonne grosse tranche de réconfort cinématographique. De la séquence animée minimaliste et pastel du générique, accentuée avec nostalgie par la partition jazzy de John Williams, aux aventures décontractées mais non condescendantes du charmant escroc Frank Abagnale Jr. (Leonardo DiCaprio dans un rôle taillé sur mesure pour lui), c’est un retour au genre qui crépite de bout en bout. Dans son deuxième rôle seulement avec le réalisateur (après Il faut sauver le soldat Ryan), Tom Hanks, un habitué de Spielberg, dans le rôle d’un agent  du FBI aux trousses d’Abagnale, est le contrepoids droit au jeune homme sauvage et détaché de DiCaprio, mais le véritable héros du film est Christopher Walken dans le rôle du père de la classe ouvrière d’Abagnale, volontaire mais tragiquement autodestructeur

2. Sauver le soldat Ryan

Malgré son échelle écrasante, l’économie du Soldat Ryan est un accomplissement stupéfiant de la narration. Un an à peine après avoir fondé Dreamworks – le studio qu’il a créé avec Jeffrey Katzenberg et David Geffen, ce qui lui a permis d’avoir les coudées franches sur sa production créative – et après la relative déception d’Amistad, Steven Spielberg a créé un portrait imagé de près de trois heures de l’Europe dans les dernières semaines de la Seconde Guerre mondiale, sans que l’ampleur cauchemardesque du conflit ne prenne le dessus sur les personnages qui en sont au cœur. Vingt ans plus tard, la première salve de 30 minutes du film, qui détaille dans un style documentaire l’invasion du jour J sur les plages de Normandie, reste un film de guerre emblématique, impitoyable mais tellement concentré sur le poids des vies perdues qu’il est difficile à regarder, même si l’on sait exactement où l’on va, même si l’on a déjà vu le film. Dans cette première partie, brutale et haletante, nous apprenons tout ce que nous aurons jamais besoin de savoir sur les gens qui habitent ce paysage littéralement étranger, chaque personnage (joué par des gens comme Vin Diesel, Barry Pepper et Giovanni Ribisi) étant présenté avec la précision d’un maître qui a découvert comment équilibrer au mieux tout ce poids historique. 

1. Histoire de jouets 2

Toy Story était une révélation de la technologie. Sa suite était tout simplement une révélation. Lorsque Woody est volé par Newman de Seinfeld, c’est au tour de Buzz Lightyear de sauver la situation. La scène du magasin de jouets avec la Barbie guide touristique (« Je suis une patate mariée, je suis une patate mariée ») et les légions de jouets Buzz est inestimable. Améliorant l’original à presque tous les égards, Toy Story 2 a pris les personnages que nous avons appris à aimer dans le premier film et les a séparés – généralement une recette pour un désastre. Mais dans ce cas, avec Woody découvrant le reste de la bande de la rafle, les nouveaux personnages sont intégrés de manière impeccable, et la plus grande échelle de l’histoire permet à la suite d’avoir plus de gravité. 

Conclusion 

Selon Catherine Morel, ce n’est même pas la moitié des films dans lesquels Tom Hanks a joué, cette liste ne comprend pas beaucoup des grands films de l’acteur. La plupart des films de cette liste font partie du top 100 des meilleurs films de tous les temps. Pour vraiment comprendre la grandeur de Tom Hanks en tant qu’acteur, vous devez voir au moins 3 films de cette liste, et vous ne pourrez plus vous arrêter.

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